Русский авангард. Основные направления и мастера

Русский авангард. Основные направления и мастера

Министерство образования Российской Федерации

Новгородский Государственный университет

имени Ярослава Мудрого

Реферат по дисциплине:

«История русского искусства»

Тема : «Русский авангард. Основные направления и мастера.»

Выполнила студентка гр.2371:

Цветкова А.А.

Проверила:

Робежник Л. В.

Великий Новгород

2003

Содержание:

1. Введение.

1.1.Понятие авангардизм. И его отличия от

модернизма…………..….…………....3

2. Основная часть.

2.1. Русский авангард его цели и устремления…………….…….….………………...6

2.2. Основные направления авангарда…………………………….…………….…......7

2.2.1 Абстракционизм (абстрактное

искусство)………………………..…..8

2.2.2. Супрематизм …………………………………….…………………..10

2.2.3. Конструктивизм ……………………………..….………………….…10

2.2.4. Футуризм ………………..……….…………………………………....11

2.2.5. Дадаизм…………..…………….……………………………………. 12

2.2.6. Сюрреализм…………………………………………………………...13

2.2.7. Экспрессионизм ………...……………………….….……………..…14

2.3. В.В.Кандинский …………………………………………………………………16

2.4. К.С.Малевич……………………………………………………………….……..19

3.Заключение…………………………………………………………………………….……21

4. Список литературы……………………………………………………………….…….….22

1.Введение.

Понятие авангардизм. И его отличия от модернизма.

Как выяснилось, популярным медвежьим капканом, идеально приспособленным

для охоты на начинающих искусствоведов, является вопрос: "чем отличается

авангардизм от модернизма?

Этот вопрос до сих пор остается спорным; есть несколько устойчивых

традиций понимания различий между авангардом и модернизмом.Есть только один

выход: воспользоваться той версией, которая кажется наиболее внятной и

логичной.

Во-первых, хронологически модернизм предшествовал авангарду. Авангард -

порождение революционной эпохи начала двадцатого века, тогда как модернизм

возник в конце девятнадцатого.

Во вторых, следует обратить внимание на происхождение термина:

"авангардом" традиционно назывались первые ряды войска; быть "в авангарде"

- значит быть впереди всех, причем в рискованной, боевой ситуации. Термин,

как видите, взят из военной лексики. И не зря.

Утопическая цель - радикальное преобразование человеческого сознания

средствами искусства - унаследована авангардом от модернизма; однако

авангардисты пошли дальше, предположив, что переустроить посредством

искусства можно не только сознание, но и общество.

И наконец, если модернизм был в первую очередь эстетическим бунтом,

революцией внутри искусства, не против самой традиции, но внутри нее, то

авангард - это бунт против самой художественной традиции, как впрочем и

против любых традиций. Цитирую Льва Рубинштейна: "Модернизм как бы

принимает основные ценности традиционного искусства, но занимается

обновлением художественных средств при решении так называемых вечных задач

искусства. В этом смысле это то же традиционное искусство, но занятое новым

языком для описания того же самого. Авангардизм все время создает другое

искусство, обновляет не средства его, а сам предмет искусства. Более того.

Авангард подразумевает активную социальную позицию художника, о чем прежде,

по большому счету, речи быть не могло. Будучи революционным по своей

природе, авангард, как правило, сочетается с радикальными политическими

убеждениями; к примеру, общеизвестно, что многие сюрреалисты были

коммунистами. А русский авангард, как мы знаем, стройными рядами отправился

служить делу Октябрьской революции. Добром это, разумеется, не кончилось...

Вообще печально и забавно проследить два принципиально разных пути,

приведших к кризису авангарда. В либеральном западном обществе авангард к

середине века постепенно утратил пафос "противостояния", а вместе с ним - и

"утопический" оптимизм, и революционную энергетику; авангард, вопреки своей

природе, стал эстетической традицией - одной из. В тоталитарной же ситуации

(прежде всего в СССР и гитлеровской Германии) авангард был объявлен

антинародным (или "дегенеративным") искусством и попросту запрещен, вымаран

цензурой из истории искусств.

Однако вместо того, чтобы сокрушаться по поводу "конца авангарда",

замечу, что многие его идеи, стратегии и амбиции были воскрешены,

переосмыслены и взяты на вооружение радикальными художниками девяностых.

Авангард(-изм) - (франц. avantgardisme, от avant-garde — передовой

отряд) Условное наименование художественных движений и объединявшего их

умонастроения художников 20 в.. для которых характерны стремление к

коренному обновлению художественной практики, разрыву с её устоявшимися

принципами и традициями (в том числе и с реализмом), поиски новых,

необычных по содержанию, средств выражения и форм произведений,

взаимоотношения художников с жизнью. В противоречивости движений

авангардизма преломились острейшие социальные антагонизмы эпохи, отразились

растерянность и отчаяние перед лицом общественных катастроф и стремление

отыскать новые способы эстетического воздействия на реальную жизнь. Черты

авангардизма в 20 в. проявились в ряде школ и течений модернизма,

интенсивно развивавшихся в период 1905— 30-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм,

экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактное искусство, ряд

рационалистических течений модернизма и др.). Фактически это было движение,

совершавшее переворот, но в 30-х годах угасает как популярное течение. Лишь

после 2-й мировой войны 1939—45 в искусстве ряда стран Зап. Европы и Лат.

Америки наряду с укреплением позиций реалистически "ангажированного"

искусства происходит оживление авангардистских тенденций. Возникает

неоавангардизм, теперь уже полностью укладывающийся в рамки модернизма.

Основные представители этого течения в России – В. Малевич, В.

Кандинский, М. Ларионов, М. Матюшин, В. Татлин, П. Кузнецов, Г. Якулов, А.

Экстер, Б.Эндер и лругие.

2.Основная часть.

2.1.Русский авангард его цели и устремления.

Как и предварившие его направления модернизма, авангард был нацелен на

радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на

эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность

существующего общества, — при этом его художественно-утопические стратегия

и тактика были гораздо более решительными, анархически-бунтарскими.

Не удовлетворяясь созданием изысканных «очагов» красоты и тайны,

противостоящих низменной материальности бытия, авангард ввел в свои образы

грубую материю жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного

города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой, он не

раз декларативно подчеркивал в своих произведениях принцип «антиискусства»,

отвергая тем самым не только прежние, более традиционные стили, но и

устоявшееся понятие искусства в целом. Постоянно влекли авангард «странные

миры» новой науки и техники — из них он брал не только сюжетно-

символические мотивы, но также многие конструкции и приемы. С другой

стороны, в искусство все активнее входила «варварская» архаика, магия

древности, примитив и фольклор (в виде заимствований из искусства негров

Африки и народного лубка, из других «неклассических» сфер творчества,

прежде выносимых за рамки изящных искусств). Мировому диалогу культур

авангард придал невиданную остроту.

2.2. Основные направления авангарда.

В принципе авангардные явления характерны для всех переходных этапов в

истории художественной культуры, отдельных видов искусства. В ХХ в.,

однако, понятие авангарда приобрело значение термина для обозначения

мощного феномена художественной культуры, охватившего практически все ее

более-менее значимые явления. При всем разнообразии и пестроте

художественных явлений, включаемых в это понятие, они имеют общие культурно-

исторические корни, общую атмосферу, породившую их, и многие общие

характеристики и тенденции автопрезентации. Авангард - это, прежде всего,

реакция художественно-эстетического сознания на глобальный, еще не

встречавшийся в истории человечества перелом в культурно-цивилизационных

процессах, вызванный научно-техническим прогрессом (НТП) последнего

столетия. Суть и значение для человечества этого лавинообразного процесса в

культуре пока далеко не до конца поняты и не осмыслены адекватно научно-

философским мышлением, но уже во многом с достаточной полнотой нашли

выражение в художественной культуре в феноменах авангарда, модернизма,

постмодернизма.

Авангард - предельно пестрое, противоречивое, даже в чем-то

принципиально антиномическое явление. В нем сосуществовали в непримиримой

борьбе между собой и со всем и вся, но и в постоянном взаимодействии и

взаимовлияниях течения и направления, как утверждавшие и апологизировавшие

те или иные явления, процессы, открытия во всех сферах культурно-

цивилизационного поля своего времени, так и резко отрицавшие их.

К характерным и общим чертам большинства авангардных феноменов

относятся их осознанный заостренно экспериментальный характер; революционно-

разрушительный пафос относительно традиционного искусства (особенно его

последнего этапа - новоевропейского) и традиционных ценностей культуры

(истины, блага, святости, прекрасного); резкий протест против всего, что

представлялось их создателям и участникам ретроградным, консервативным,

обывательским, буржуазным, академическим; в визуальных искусствах и

литературе - демонстративный отказ от утвердившегося в XIX в. "прямого"

(реалистически-натуралистического) изображения видимой действительности,

или - миметического принципа в узком смысле слова (см.: Мимесис);

безудержное стремление к созданию принципиально нового во всем и, прежде

всего, в формах, приемах и средствах художественного выражения; а отсюда и

часто декларативно-манифестарный и эпатажно-скандальный характер

презентации представителями авангарда самих себя и своих произведений,

направлений, движений и т. п.; стремление к стиранию границ между

традиционными для новоевропейской культуры видами искусства, тенденции к

синтезу отдельных искусств (в частности, на основе синестезии), их

взаимопроникновению.

К основным направлениям и фигурам авангарда относятся фовизм, кубизм,

абстрактное искусство, супрематизм, футуризм, дадаизм, экспрессионизм,

конструктивизм, метафизическая живопись, сюрреализм, наивное искусство;

додекафония и алеаторика в музыке, конкретная поэзия, конкретная музыка,

кинетическое искусство, а также такие крупные фигуры, не принадлежавшие в

целом ни одному из указанных направлений, как Пикассо, Шагал, Филонов,

Клее, Матисс, Модильяни, Ле Корбюзье, Джойс, Пруст, Кафка и некоторые

другие. Возможна лишь условная классификация, притом только по отдельным

параметрам, пестрого множества самых разных во многих отношениях феноменов

авангарда.

Художественно-эстетическая феноменология основных направлений

авангарда.

2.2.1.Абстракционизм (абстрактное искусство). Главными теоретиками и

практиками были В.Кандинский, П.Мондриан. Абстракционизм отказался от

изображения форм визуально воспринимаемой действительности, от изоморфизма

и ориентировался исключительно на выразительные, ассоциативные,

синестезические свойства цвета, неизоморфных абстрактных цвето-форм и их

бесчисленных сочетаний. Первые абстрактные работы были созданы в 1910 г.

Кандинским. Эстетическое кредо абстрактного искусства он изложил в книге "О

духовном в искусстве" (1910 г.) и в ряде других книг и статей. Суть его

сводится к тому, что отказ от изображения внешних, видимых форм предметов

позволяет художнику сосредоточиться на решении исключительно живописных

задач гармонизации цвета и формы, через посредство которых духовный космос

вступает в контакт с реципиентом. Фактически Кандинский на новом уровне

возвращается к идеям платоновско-неоплатонической эстетики. Живопись

уподобляется им музыке в ее абсолютном значении, и главную ее цель он

усматривает в выражении на холсте или листе бумаги музыки (звучания)

объективно существующего "Духовного". Художник в понимании Кандинского

является лишь посредником Духовного, инструментом, с помощью которого оно

материализуется в художественных формах. Поэтому абстрактное искусство не

является выдумкой современных художников, но - исторически закономерной

формой самовыражения Духовного, адекватной своему времени. С духовными

космическими силами связывал абстрактное искусство и один из крупнейших

представителей его "геометрического" направления - неопластицизма голландец

Мондриан.

Абстракционизм развивался по двум основным направлениям: 1. гармонизации

аморфных цветовых сочетаний; 2. создания геометрических абстракций. Первое

направление (главные представители - ранний Кандинский, Ф.Купка) довело до

логического завершения поиски фовистов и экспрессионистов в области

"освобождения" цвета от форм видимой реальности. Главный акцент делался на

самостоятельной выразительной ценности цвета, его колористическом богатстве

и синестезических обертонах, на музыкальных ассоциациях цветовых сочетаний,

с помощью которых искусство стремилось выразить глубинные "истины бытия",

вечные "духовные сущности", движение "космических сил", а также - лиризм и

драматизм человеческих переживаний, напряженность духовных исканий и т. п.

Второе направление развивалось по пути создания новых типов

художественного пространства путем сочетания всевозможных геометрических

форм, цветных плоскостей, сочетаний прямых и ломаных линий. Главными

представителями его были Малевич периода геометрического супрематизма,

участники голландской группа "Де Стейл" (с 1917г.) во главе с Мондрианом и

Т.Ван Дусбургом, поздний Кандинский с его геометрическими абстрактными

композициями. Голландцы выдвинули концепцию неопластицизма,

противопоставлявшую "случайности, неопределенности и произволу природы"

"простоту, ясность, конструктивность, функциональность" чистых

геометрических форм, выражавших, по их мнению, космические, божественные

закономерности Универсума (Ван Дусбург). Мистическая простота оппозиции

"горизонталь-вертикаль", согласно Мондриану, ставшая основой всего его

творчества зрелого периода, при использовании определенных локальных цветов

дает бесконечные возможности достижения визуальных пропорций и равновесия,

которые имеют духовно-этическую сущность. Мондриан и его коллеги впервые в

истории искусства сумели достичь равновесия художественных масс с помощью

асимметричных построений, что дало мощный импульс архитектуре, прикладному

искусству, дизайну ХХ в.

Концентрация эстетического в абстрактных цвето-формах, исключающих какие-

либо утилитарно-бытовые ассоциации, выводит зрителя на прямой глубинный

контакт с чисто духовными сферами. В этом плане многие призведения

абстракционизма (особенно работы Кандинского, Малевича, М.Ротко, отчасти

Мондриана) могут служить объектами медитации и посредниками в других

духовных практиках. Не случайно Малевич ощущал в своих работах близость к

русской иконе (см.: Икона), а за его "Черным квадратом" укрепилась

репутация "иконы ХХ века". Обозначение, данное изначально с уничижительно-

ироническим оттенком, хорошо выразило суть этого феномена.

2.2.2. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — одно из направлений

абстрактной живописи, созданное в середине 1910-х гг. К. Малевичем.

Цель супрематизма — выражение реальности в простых формах (прямая,

квадрат, треугольник, круг), которые лежат в основе всех других форм

физического мира. В супрематических картинах остутствует представление о

«верхе» и «низе», «левом» и «правом» — все направления равноправны, как в

космическом пространстве. Пространство картины больше неподвластно земному

тяготению (ориентация «верх — низ»), оно перестало быть геоцентричным, то

есть «частным случаем» вселенной. Возникает самостоятельный мир, замкнутый

в себе, и в то же время соотнесенный как равный с универсальной мировой

гармонией.

Изобразительным манифестом супрематизма стала знаменитая картина

Малевича «Черный квадрат» (1915). Теоретическое обоснование метода Малевич

изложил в работе «От кубизма и футуризма к супрематизму... Новый живописный

реализм...» (1916).

Последователи и ученики Малевича в 1916 г. объединились в группу

«Супремус». Супрематический метод они пытались распространить не только на

живлпись, но и на книжную графику, прикладное искусство, архитектуру.

Выйдя за пределы России, супрематизм оказал заметное влияние на всю

мировую художественную культуру.

2.2.3. Конструктивизм. Направление, возникшее в России (с 1913-14 гг.)

в среде материалистически ориентированных художников и архитекторов под

прямым воздействием технического прогресса и демократических настроений

революционной общественности. В дальнейшем получило развитие и в западных

странах. Родоначальником считается художник В.Татлин, основными

представителями в России А.Родченко, Л.Попова, В.Степанова, братья

Стенберги, теоретиками Н.Пуни, Б.Арватов, А.Ган; на Западе - Ле Корбюзье,

А.Озанфан, Т. Ван Дусбург, В.Гропиус, Л.Моголи-Надь. В противовес

традиционным художественным категориям конструктивисты выдвинули понятие

конструкции в качестве главного принципа организации произведения. Под

конструкцией в общем случае понимался некий рационалистически обоснованный

принцип композиционной организации произведения, в котором на первое место

выдвигалась функциональность. Однако единства в понимании термина у них не

было. В конструктивизме существовало два основных направления: отвлеченный

конструктивизм, близкий к геометрическому абстракционизму, не

преследовавший утилитарных целей, но занятый исключительно художественными

задачами (развитие идущих от кубизма тенденций поиска конструктивных

законов формы, пространства, внутренней архитектоники предмета и т.п.) и

«производственно-проектный», направленный на художественное конструирование

предметов утилитарного назначения и блоков среды обитания человека. Он был

тесно связан с архитектурой и промышленностью и руководствовался принципом:

превратить искусство в производство, а производство - в искусство. Термин

«художник» заменяется словом «мастер»; главными профессиональными

категориями становятся технологичность, конструктивность, функциональность,

рациональность, практичность, тектоничность, фактурность. Многие художники-

конструктивисты стали первыми профессорами в художественно-производственных

институтах (= мастерских) ВХУТЕМАСе в России и «Баухаусе» в Германии.

Конструктивизм стал лабораторией для дизайна ХХ в. и таких направлений в

искусстве. как кинетическое искусство, минимализм, отчасти – концептуализм.

2.2.4. Футуризм. Возник и наиболее полно был реализован в

изобразительном и словесных искусствах Италии и России в период 1909 -15

гг. Главные теоретики: Ф.Маринетти в Италии, В.Хлебников, А.Крученых в

России. Футуристы остро ощутили наступление глобального кризиса в

традиционной культуре в связи с начавшимися научно-техническими и социально-

политическими революционными процессами. Они с восторгом приняли их и,

почувствовав, что они ведут к сущностным изменениям в психо-сенсорике и

менталитете человека, попытались найти им художественные аналоги. В

революционно-техногенной действительности их больше всего привлекали

активное бунтарское действие, движение, скорость, энергетика, революционные

порывы во всем. «Раковую опухоль» традиционной культуры они призывали

вырезать ножами техницизма, урбанизма, анархического бунтарства,

эпатирующими художественными жестами. Красоту видели во всех новациях

технического прогресса, в революциях и войнах и стремились выразить ее в

живописи путем создания напряженных динамических полу-абстрактных полотен.

В них симультанно накладываются различные временные фазы движущегося

объекта - как кадры кинопленки - один на другой; энергетические поля или

состояния души передаются с помощью абстрактных лучащихся, динамически

закручивающихся цвето-форм; бунтующие массы ассоциируются с острыми яркими

клиньями, прорывающимися сквозь бурлящие цветовые пространства и т.п.

Футуристов очаровывали шумы новой техники (гудки паровозов и клаксонов, рев

моторов), и они манифестировали попытки передать их чисто зрительными

средствами, используя эффект синестезии. В скульптуре стремились объединить

пластические формы с цветом, движением, звуком, предвещая появление

кинетизма; использовали в коллажах нетрадиционные материалы (стекло, кожу,

обрывки одежды, зеркал и т.п.), став предвестниками поп-арта. Ряд работ

итальянских футуристов носил ярко выраженные космогонические черты

(У.Боччони, Дж.Балла, Дж.Северини). В России футуристические тенденции в

живописи наиболее полно реализовали М.Ларионов и Н.Гончарова (в лучизме) и

К.Малевич (в кубофутуристических композициях). В литературе (Крученых,

Хлебников, Маяковский, Каменский) бунтарски вводят новые принципы

организации текста, основанные на смысловых парадоксах, композиционных

«сдвигах», специфической тонике, алогичных конструкциях, графической

семантике текста, использовании бытовой и фольклорной. архаической лексики

и т.п. Занимаются активным словотворчеством - создают «заумь», значение

которой объясняют стремлением выявить глубинный смысл абстрактных фонем и

построить на них новый художественный язык, адекватно выражающий сущность

новых реальностей. Футуристы одними из первых поставили вопрос об активном

участии искусства в революционном преобразовании жизни, создании нового

предельно технизированного мира, о выведении творчества за пределы

искусства в жизнь.

2.2.5. Дадаизм. Термин dada (детская лошадка, все детское, лепет

младенца) не имеет в науке однозначного толкования применительно к данному

направлению. Одно из наиболее бунтарских, скандальных движений авангарда,

культивировавшее пафос разрушения всего и вся, эпатаж как таковой, протест

против всего. Возникло во Франции в среде эмигрантской художественной

молодежи в разгар Первой мировой войны, просуществовало с 1916 по 1922 гг.

Главные теоретики и организаторы Т.Тцара и Х.Балль. Своим предтечей

дадаисты почитали Марселя Дюшана, введшего в искусство ready-mades (готовые

изделия) - предметы обихода (велосипедное колесо, сушку для бутылок,

писсуар) в качестве равноценных и полноправных произведений искусства;

открывшего этим новую эпоху в искусстве ХХ в. Путем скандальных акций,

выставок, манифестов, экспонирования шокирующих обывателя объектов и т.п.

действий дадаисты отрицали и передразнивали все традиционные ценности

культуры и искусства, включая и достижения довоенного авангарда, хотя и

часто пользовались многими приемами ранних авангардистов. Среди творческих

находок дадаистов, унаследованных другими направлениями авангарда можно

указать на принцип стохастической организации своих произведений, метод

«психического автоматизма» в творчестве, активное использование при

создании артефактов содержимого помоек и свалок мусора и отслуживших

предметов обихода. Все это найдет последователей в сюрреализме, поп-арте,

концептуализме и других арт-практиках ХХ в.

2.2.6. Сюрреализм. Эстетика сюрреализма опирается на идеи романтиков,

символизма, интуитивизма, фрейдизма, герметизма и некоторые восточные

мистико-религиозные и оккультные учения. Главные представители: А. Бретон,

М. Эрнст, А. Массон, С. Дали и др. Основа творческого метода сюрреализма,

по определению Бретона ("Манифест сюрреализма" 1924г.), - "чистый

психический автоматизм, имеющий целью выразить устно или письменно, или

любым другим способом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне

всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических

или нравственных соображений... Сюрреализм основывается на вере в высшую

реальность; на ассоциативных формах, до сих пор остававшихся без внимания;

на всевластии мечты, на неутилитарной игре мысли…" Отсюда два главных

принципа сюрреализма: автоматическое письмо и запись сновидений, ибо в

сновидениях, согласно Фрейду, на которого активно опираются сюрреалисты,

открываются глубинные истины бытия, а автоматическое письмо (исключающее

цензуру разума) помогает наиболее адекватно передать их с помощью слов или

зрительных образов. Методом графического автоматизма начал свою

деятельность, включившись в сюрреалистическое движение, Андре Массон. Он

водил тушью по бумаге, возникающие линии и пятна напоминали некие образы,

которые при последующем движении руки изменялись. Рождались очень цельные

композиции, наполненные «знаками» людей, животных, растений или непонятными

таинственными узорами. Практиковались и другие новоизобретённые техники

(всего их начитывалось около тридцати), например, фроттаж (франц.

«натирание»). Как-то Эрнст положил бумагу на пол и натёр её графитом.

Рельеф растрескавшегося паркета создал на листе выразительную фактуру.

Впоследствии фроттажи делали, используя любую негладкую поверхность.

Случайный рисунок, по мнению авторов, напоминал галлюцинации. В. Паален

изобрёл фюмаж (франц. копчение), при котором использовались следы на бумаге

или холсте от копоти свечи. Отличительной особенностью многих полотен стали

реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их

окружения, но в фантастических бредовых сочетаниях.

Сюрреализм был не просто одним из многих направлений в авангардном

искусстве первой пол. ХХ в. В нем наиболее полно и остро в художественной

форме выразилось ощущение эпохи, как глобального переходного этапа от

классического искусства последних двух-трех тысячелетий к чему-то

принципиально иному; именно в нем наметились многие принципы, методы арт-

мышления, даже технические приемы и отдельные элементы ПОСТ-культуры второй

половины века. Художественные находки сюрреализма активно используются

практически во всех видах современного искусства - в кинематографе,

телевидении, видеоклипах, театре, фотографии, оформительском искусстве,

дизайне, в самых «продвинутых» арт-практиках и проектах конца ХХ в.

2.2.7. Экспрессионизм. Его суть заключается в обостренном, часто

гипертрофированном выражении с помощью исключительно художественных средств

и приемов чувств и переживаний художника, иррациональных состояний его

души, чаще всего трагического и экзистенциально-драматического спектров:

тревоги, страха, безысходности, тоски, нервозности, разобщенности,

повышенной эмоциональности, болезненной страстности, глубокой

неудовлетворенности, ностальгии и т. п. Опустошенность, меланхолия,

психопатия, нередко истеричность, мрачный эсхатологизм, а иногда и громкие

крики протеста против окружающего мира и безнадежные призывы о помощи

наполняют многие произведения экспрессионистов. Центральным и наиболее

характерным для экспрессионизма принято считать деятельность, прежде всего,

немецких художников, связанных с группой "Die Brьcke" ("Мост"), альманахом

"Der Blaue Reiter" ("Синий всадник"), организованным В.Кандинским и

Ф.Марком в 1911 г. и с галереей, издательством и одноименным журналом "Der

Sturm" Х.Вальдена (Берлин, 1910-1932 гг.). Периодом расцвета считаются 1905-

1920 гг, т.е. время вокруг Первой мировой войны и социальных потрясений в

Европе (в Германии, прежде всего), когда именно экспрессионизм в искусстве

наиболее полно выражал дух времени, был адекватен социально-политическим

перипетиям и потрясениям и психологическим настроениям многих европейцев,

особенно - художественно-интеллектуальных кругов.

Сам прием экспрессивного выражения с помощью цвета, формы, пластики

тех или иных экстремальных состояний человеческой психики, глубинных

движений души и духа человека встречается в истории искусства с древних

времен. Его можно встретить у народов Океании и Африки, в средневековом

немецком искусстве (особенно в готической скульптуре и живописи), у

Грюневальда, Эль Греко (поздний период которого можно прямо назвать

экспрессионистским), Гойи, Гогена, представителей европейского символизма и

стиля модерн. Экспрессионисты просто абсолютизировали его, сделав

центральным, а часто и единственным принципом художественного мышления. В

европейском авангарде на разных этапах своего творчества к экспрессионизму

примыкали или создавали отдельные экспрессионистские работы многие

художники. Среди них можно назвать В.Кандинского, М.Шагала, П.Пикассо. В

самой Германии в духе экспрессионизма работали М.Бекманн, А. фон Явленский,

Г.Грос, О.Дикс; в Австрии О.Кокошка, Э.Шиле; во Франции Ж.Руо и Х.Сутин.

Для художников-экспрессионистов характерно повышенное напряжение цветовых

контрастов, выявление структурного костяка предмета, активное использование

контура, в графике - черного пятна, обострение контрастов черное-белое,

черное-цветное, усиление энергетики формы путем деформации и применения

открытых кричащих цветов, гротескная передача лиц, поз, жестов изображенных

фигур. Многие из этих приемов легли в основу художественных языков других

направлений авангарда, модернизма, постмодернизма.

Существенным для экспрессионизма является открытая визуальная,

звуковая, вербальная энергетика «жизненного порыва» (Бергсон), которая

реально излучается большинством экспрессионистских работ и активно

воздействует на психику реципиента помимо его воли. С экспрессионизма

начинается переход искусства от традиционного мимесиса и выражения к

реальной презентации открытой энергии (визуальной, звуковой, вербальной).

Энергетический потенциал искусства, занимавший в традиционной культуре

фоновое место, теперь выдвигается на первый план в качестве доминирующего,

что абсолютизируют затем многие направления и творческие личности

модернизма и постмодернизма.

ВАСИЛИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ КАНДИНСКИЙ,

(1866–1944), русский художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров

авангарда первой половины 20 в.; вошел в число основоположников

абстрактного искусства.

Родился в Москве 22 ноября(4 декабря)1866г. в семье коммерсанта;

принадлежал к роду нерчинских купцов, потомков сибирских каторжан. В 1871-

1885 жил с родителями в Одессе,где еще в гимназические годы начал

заниматься музыкой и живописью. С 1885 учился в Московском университете,

мечтая о карьере юриста, но ок. 1895 решил посвятить себя искусству.

Определили его выбор два момента: во-первых, впечатления от русских

средневековых древностей и художественного фольклора, полученные в

этнографической экспедиции по Вологодской губернии (1889), во-вторых,

посещение французской выставки в Москве (1896), где он был потрясен

картиной К.Моне Стог сена. В 1897 приехал в Мюнхен, где с 1900 занимался в

местной Академии художеств под руководством Ф.фон Штука. Много

путешествовал по Европе и Северной Африке (1903–1907), с 1902 жил в

основном в Мюнхене, а в 1908–1909 в селе Мурнау (Баварские Альпы).

Органично войдя в среду немецкой модернистской богемы, выступал и как

активный организатор: основал группы «Фаланга» (1901), «Новое мюнхенское

художественное объединение» (1909; совместно с А.Г.Явленским и др.) и,

наконец, «Синий всадник» (1911; совместно с Ф.Марком и др.) – общество,

ставшее важным соединительным звеном между символизмом и авангардом.

Публиковал художественно-критические Письма из Мюнхена в журналах «Мир

искусства» и «Аполлон» (1902, 1909), участвовал на выставках «Бубнового

валета».

От ранних, уже достаточно ярких и сочных импрессионистских картин-

этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту

композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального

модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной

культуры (Пестрая жизнь, 1907, Ленбаххаус, Мюнхен; Дамы в кринолинах, 1909,

Третьяковская галерея). В 1910 создал первые абстрактные живописные

импровизации и завершил трактат О духовном в искусстве (книга была

опубликована в 1911 на немецком языке). Считая главным в искусстве

внутреннее, духовное содержание, полагал, что лучше всего оно выражается

прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В

основе его последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» (как сам

Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного

пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере

мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин

маслом и акварелей строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек,

линий, отдельных символов (типа всадника, ладьи, палитры, церковного купола

и т.д.). Большое внимание мастер всегда уделял графике, в том числе гравюре

на дереве. В своем немецком поэтическом альбоме стихов Звуки (Klдnge, 1913)

стремился к идеальной взаимосвязи беспредметных визуально-графических

образов с текстом. Цели синтеза искусств ставил и в замысле спектакля

Желтый звук, призванного объединить цвет, свет, движение и музыку

(композитора Ф.А.Гартмана; спектакль, текст которого был помещен в

альманахе Синий всадник, 1912, не осуществился из-за начала Первой мировой

войны).

В 1914 вернулся в Россию, где жил в основном в Москве. Своеобразная

«апокалиптика», чаяния всеобщего преображения-в-искусстве, характерные для

его абстракций, приобретают в этот период все более тревожный и

драматический характер (Москва. Красная площадь, 1916, Третьяковская

галерея; Смутное, там же; Сумеречное, Русский музей; Серый овал, Картинная

галерея, Екатеринбург; все работы – 1917). В 1918 издал автобиографическую

книгу Ступени. Активно включился в общественную и гуманитарно-

исследовательскую деятельность, входил в состав Наркомпроса, Института

художественной культуры (Инхук) и Российской академии художественных наук

(РАХН), преподавал в Высших художественно-технических мастерских

(Вхутемас), однако, раздраженный идеологическими склоками, покинул Россию

навсегда после того, как был послан в командировку в Берлин (1921).

В Германии преподавал в «Баухаусе» (с 1922, в Веймаре и Дессау),

занимаясь в основном общей теорией формообразования; изложил свой

педагогический опыт в книге Точка и линия на плоскости, изданной на

немецком языке в 1926. Его космологические фантазии (графическая серия

Малые миры, 1922) обретают в этот период более рационально-геометричный

характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но

сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность (В черном квадрате, 1923;

Несколько кругов, 1926; обе картины – в Музее С.Гуггенхейма, Нью-Йорк). В

1924 мастер образовал вместе с Явленским, Л.Фейнингером и П.Клее

объединение «Синяя четверка», устраивая с ними совместные выставки.

Выступил как художник сценической версии сюиты М.П.Мусоргского Картинки с

выставки в театре Дессау (1928).

После закрытия нацистами «Баухауса» (1932) переехал в Берлин, а в 1933

– во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. Испытав

значительное воздействие сюрреализма, все чаще вводил в свои картины –

наряду с прежними геометрическими структурами и знаками – биоморфные

элементы, подобные неким первичным организмам, парящим в межпланетной

пустоте (Доминирующая кривая, 1936, там же; Голубое небо, 1940, Центр

Ж.Помпиду, Париж; Разнообразные действия, 1941, Музей С.Гуггенхейма, Нью-

Йорк). С началом немецкой оккупации (1939) намеревался эмигрировать в США и

провел несколько месяцев в Пиренеях, но в итоге вернулся в Париж, где

продолжал активно работать, в том числе над проектом комедийного фильма-

балета, который намеревался создать совместно с композитором Гартманом.

Умер Кандинский в Нейи-сюр-Сен 13 декабря 1944.

КАЗИМИР СЕВЕРИНОВИЧ МАЛЕВИЧ

(1878–1935)

Русский художник, теоретик искусства и философ. Родился в Киеве 11

(23) февраля 1878 в семье выходцев из Польши (отец его работал управляющим

на сахарных заводах). В 1895–1896 учился в Киевской рисовальной школе

Н.И.Мурашко; приехав в 1905 в Москву, занимался в студии Ф.И.Рерберга.

Прошел путь практически через все стили того времени – от живописи в духе

передвижников к импрессионизму и мистическому символизму, а затем к

постимпрессионистическому «примитиву» (Мозольный оператор в бане,

1911–1912, Городской музей, Амстердам). Был участником выставок «Бубновый

валет» и «Ослиный хвост», членом «Союза молодежи». Жил в Москве (до 1918) и

Ленинграде.

Разоблачая академические художественные стереотипы, проявил яркий

темперамент критика-полемиста. В его работах первой половины 1910-х годов,

все более задорно-новаторских, полу абстрактных, определился стиль

кубофутуризма, соединивший кубистическую пластику форм с футуристической

динамикой (Точильщик (Принцип мелькания), 1912, галерея Йельского

университета, Нью-Хейвен, США; Лесоруб, 1912–1913, Городской музей,

Амстердам). Важное значение в эти годы получил у Малевича и метод «заумного

реализма», поэтика абсурда, алогичного гротеска (Англичанин в Москве, там

же; Авиатор, Русский музей, Петербург; обе работы – 1914). После начала

войны исполнил цикл патриотических агитлистков (с текстами В.В.

Маяковского) для издательства «Современный лубок».

Ключевой смысл для мастера имела работа над оформлением оперы Победа

над Солнцем (музыка М.В.Матюшина, текст А.Е.Крученых и В.В.Хлебникова;

премьера состоялась в петербургском Луна-парке в 1913); из трагикомического

бурлеска о крушении старого и рождении нового миров возник замысел

знаменитого Черного квадрата, впервые показанного на выставке «0, 10» в

1915 (хранится в Третьяковской галерее). Эта простая геометрическая фигура

на белом фоне – и своего рода апокалиптический занавес над прежней историей

человечества, и призыв к строительству будущего. Мотив всесильного

художника-строителя, начинающего с нуля, доминирует и в «супрематизме» –

новом методе, призванном, по замыслу Малевича, увенчать собою все

предыдущие течения авангарда (отсюда само название – от лат. supremus,

«высший»). Теорию иллюстрирует большой цикл беспредметно-геометрических

композиций, который завершается в 1918 «белым супрематизмом», где краски и

формы, парящие в космической пустоте, сведены к минимуму, почти к

абсолютной белизне.

После октябрьского переворота Малевич сперва выступает как «художник-

комиссар», активно участвуя в революционных преобразованиях, в том числе в

монументальной агитации. Славит «новую планету» искусства авангарда в

статьях в газете «Анархия» (1918). Итоги своих поисков подводит в годы

пребывания в Витебске (1919–1922), где создает «Объединение утвердителей

нового искусства» (Уновис), стремясь (в том числе и в главном своем

философском труде Мир как беспредметность) наметить универсальную

художественно-педагогическую систему, решительно переоформляющую

взаимоотношения человека и природы.

По возвращении из Витебска Малевич возглавил (с 1923) Государственный

институт художественной культуры (Гинхук), выдвинув идеи, радикально

обновившие современный дизайн и архитектуру (объемный, трехмерный

супрематизм, воплощенный в бытовых вещах (изделия из фарфора) и

строительных моделях, так называемых «архитектонах»). Малевич мечтает об

уходе в «чистый дизайн», все более отчуждаясь от революционной утопии. Ноты

тревожного отчуждения характерны для многих его станковых вещей конца

1910–1930-х годов, где доминируют мотивы безликости, одиночества, пустоты –

уже не космически-первозданной, а вполне земной (цикл картин с фигурами

крестьян на фоне пустых полей, а также полотно Красный дом, 1932, Русский

музей). В поздних полотнах мастер возвращается к классическим принципам

построения картины (Автопортрет, 1933, там же).

Власти относятся к деятельности Малевича все с большим подозрением

(его дважды, в 1927 и 1930, арестовывают). К концу жизни он попадает в

обстановку социальной изоляции. Самобытная «школа Малевича», образовавшаяся

из его витебских и ленинградских учеников (В.М.Ермолаева, А.А.Лепорская,

Н.М.Суетин, Л.М.Хидекель, И.Г.Чашник и другие) уходит либо в прикладной

дизайн, либо в подпольно-«неофициальное» искусство. Опасаясь за судьбу

своего наследия, в 1927, во время заграничной командировки, мастер оставил

значительную часть своих картин и архива в Берлине (позднее они легли в

основу фонда Малевича в амстердамском Городском музее).

Умер Малевич в Ленинграде 15 мая 1935.

Заключение.

Ситуация в культуре сложная. Существует сильнейший фон. Телевидение с

абсолютным засилием попсы и какого-то разгульного веселья, особенно

отвратительного при нынешнем положении дел в стране. Можно понять тот

сильнейший скепсис, который охватил немалую часть поколения 20-летних.

Однозначная трактовка авангарда как слома не выдерживает критики. Можно

говорить о тенденции к слому. А.Цуканов, анализируя ряд современных книг по

теории и практике авангарда, приходит к выводу, “что поиск новых технологий

и есть проявление сущностной интенции авангарда, именно это “сцепляет”

классический и современный авангард в одно целое”.

В начале 90-х Вл.Новиков опубликовал в парижском журнале “Синтаксис”

“Авант-афоризмы”. 13 афористических тезисов Новикова — это блестящая

характеристика авангарда как сущности искусства вообще. Например, из пятого

тезиса: “Авангард выявляет надкоммуникативную природу всего искусства.

Искусство не есть коммуникация, вся его смысловая сторона — только

материал”. Шестой тезис: “Семиотический подход к авангарду беспомощен так

же, как и все другие внеэстетические подходы, поскольку знак для авангарда

— материал, одна из красок, но никак не суть”. Это, конечно, сильнейшее

заострение и обобщение, идеальный, крайний вариант.

По поводу семиотического подхода можно согласиться, но с оговоркой, что

краска (знак) и есть суть, но не в традиционном понимании. Это смысл, но

иной, по другим законам действующий.

Исторический авангард, несмотря на сильнейшую связь с символизмом,

выходил к новым технологиям, объединяя слово и живопись, разлагая слово на

составные элементы, проводя эксперименты со звуком. Все это в свою очередь

оказывало воздействие на символистов, особенно на реактивного А.Белого и

скрупулезного В.Брюсова. Вообще же границы между эпохами символизма и

авангарда весьма условны и “реально” существуют лишь в теоретических

построениях. В современной ситуации всевозможные переплетения еще более

сложны. В результате за авангард (под чем подразумевается — новое

формальное решение) принимаются, например, художественные рефлексии на

соцреализм либо на современную поп-культуру.

Список литературы:

1. http://www.art-museum.ural.ru/gallery/rus-20/ Русский живописный

авангард

2. http://www.inopressa.ru/details.html?id=4549 Выставка русского

авангарда в Гамбурге

3. http://www.bogatej.ru/article.php?page=136 Русский авангард в

радищенском музее

4. http://www.da.com.tr/dergi/russian/kultur.htm Россия - pодина

авангарда

5. http://www.rol.ru/news/art/news/03/01/22_020.htmАвангард шестидесятых

годов

http://www.philosophy.ru/library/bychkov/xx.html Л. Бычкова ХХ век:

предельные метаморфозы культуры

6. http://www.rosizo.ru/life/dossier/press/russisnart-

russgallery22001.html

Русское искусство в музеях центральной России

7. http://news.artline.ru/User/default.asp?ID=157&TypeName=library

Русский авангард 1910-х – 1920-х годов и театр

8. http://tsunja.agava.ru/reljats.htm Реляционная" теория драмы и новая

драматургия

9. http://www.master.parnas.ru/artikler_style/avan.htm Галерея

мастер

10. http://krugosvet.ru/articles/71/1007134/print.htm Энциклопедия

Россия-он-Лайн