Ответы на вопросы к экзамену История дизайна и культуры

Ответы на вопросы к экзамену История дизайна и культуры

садился человек, стул "исчезал", о его существовании говорила только поза

сидящего. В результате венский стул мог вписаться в любой интерьер.

Но Тонет не только великий дизайнер, совершивший мебельную революцию, он

еще и талантливый бизнесмен. Он придумал мебельную программу. Фирма Тонета

производила мебель комплектами, основу которых составляли стулья. Каждый из

20 образцов стульев дополнялся другими изделиями - креслом, диваном,

столиком, качалкой, вешалкой. Вариативность комплектации была очень

широкой. Если учесть, что для каждого мебельного комплекта существовало до

10 исполнений, то число вариантов изделий приближалось к шести сотням.

Мебель Тонета стала необычайно популярна, причем популярность эта была

устойчивой.

Находки Тонета в формообразовании были использованы для конструирования

мебели из гнутых металлических труб, но уже в 20 веке.

Вопрос 8

Модерн как новый стиль. Его яркие представители. Стилевые направления.

Вомяеме е становление дизайна.

Хотя модерн просуществовал всего 20 - 30 лет, влияние его в то время на все

виды художественной деятельности было огромно. Следы модерна мы находим во

всем: в архитектуре, в живописи, в монументальном искусстве, в книжной

графике, плакате, рекламе, дизайне, одежде. От огромного общественного

здания до дверной ручки, от монументальной мозаики до изящной вазы на

столе, от живописного полотна до ложки и вилки - все носило на себе

отпечаток этого стиля, если за дело брались художники, архитекторы и

дизайнеры модерна. Все, к чему прикасалась рука художника, должно было

стать прекрасным, каким являются природные формы, перед которыми эти

художники преклонялись.

Стиль "ар деко" также родился во Франции. Это - стиль-компромисс между

традицией и модернизмом. Французы относят к ар деко предметы искусства 1920-

х годов: высочайшего качества исполнения мебель, сделанная под заказ в

очень небольших количествах с геометрическими силуэтами, простыми линиями,

с инкрустацией перламутром, слоновой костью, яичной скорлупой, черепаховым

панцирем, с применением акульей и змеиной кожи, китайского лака, золотой и

серебряной фольги. Знаменитые краснодеревщики того времени - Жак-Эмиль

Рульман (1879 - 1933), а также Луи Сю, Андре Мар, Жан Дюнан.

А вообще нужно прочитать про модерн и потом на бла-бла привязать это к

дизайну

Вопрос 9

Ранний американский ------ (слово, которое было списано неправильно и я его

уже забыла, чтобы вписать сейчас). Чикагская архитектурная школа.

Чикагская архитектурная школа (Лейтер-билдинг, ныне "Сирс и Робак", 1889-

1891, архитектор У. Ле Барон Дженни; Рилайенс-билдинг, 1890-94, архитектор

Д. Х. Бёрнем, Дж. У. Рут при участии Ч. Б. Атвуда; универмаг фирмы "Карсон-

Пири-Скотт", 1899-1900, архитектор Л. Салливен) стала предшественницей

рационалистической архитектуры 20 в. Работы по реконструкции Ч. в 20 в. в

основном сводились к застройке центра небоскрёбами (Трибюн-тауэр, 1923-25,

архитектор Дж. М. Хауэлс, Р. Худ), сооружению парадных комплексов

(общественный центр, 1963-65, архитектор Дж. Браунсон), прокладке

скоростных автомагистралей, не связанных с городской планировкой. Вместе с

тем Ч. остаётся важным центром архитектурного творчества, где были

осуществлены постройки Ф. Л. Райта (дом Роби, ныне в комплексе Чикагского

университета, 1909), Л. Миса ван дер Роэ (комплекс Иллинойсского

технологического института, 1942-58, высотные жилые дома на Лейк Шордрайв,

1950-51, и Коммонуэлс Променад, 1957), Б. Голдберга (высотные жилые дома

Марина-Сити, 1964), архитектурной фирмы "СОМ" (100-этажный небоскрёб Джон

Хэнкок билдинг, 1971; 109-этажный небоскрёб Сирс-билдинг, высочайшее в мире

здание - 442 м, 1970-74).

…настоящий бум начался после того, как германский инженер Вернер фон Сименс

придумал в 1880 г. подъемник на электрической тяге, что позволяло экономно

разместить лифт внутри здания. Эти изобретения вкупе с новыми способами

литья стали, появлением железобетона и, главное, ростом стоимости городской

земли привели к рождению символа урбанизации - небоскреба. Самый первый был

построен в Чикаго в 1885 г. компанией "Хоум Иншуранс" и имел высоту всего

одиннадцать этажей. Но тогда и это казалось чем-то невероятным. Так

возникло новое архитектурное направление - так называемая Чикагская школа,

изменившая вскоре весь облик американских городов.

Архитекторы Чикагской школы применяли конструкцию нового типа -

металлический каркас. Конструкция эта стала настолько существенной, что

диктовала и выбор внешних форм. Значение Чикагской школы в истории

архитектуры в том, что впервые в XIX веке был преодолен разрыв между

конструкцией и формой, они были объединены в единое целое. Наиболее ярким

представителем ее является Салливен, расцвет творчества которого совпал с

расцветом Чикагской школы (1883-93). Возглавлял Джон Рут, архитектор,

пионер американского коммерческого зодчества.

Вопрос 10

оппаньки

Вопрос 11

Художественный авангард в Европе. Группа «Де Стейл»

"СТИЛЬ" ("Де Стейл") (голландское De Stijl),

авангардистскоеобъединение голландских художников (1917 - 31).

Мастера "стиля" выдвинули теорию неопластицизма -

геометрической разновидности абстрактного искусства (П. Мондриан), в

архитектуре создали строгие и аскетичные по облику постройки (Т. ван

Дусбюрг, Я.Й.П. Ауд, Г. Ритвелд).

Модриан. В 1914 художник вернулся в Голландию к отцу, который был при

смерти, и оставался на родине в течение всей Первой мировой войны, а в 1919

снова уехал в Париж. К этому времени он уже был членом кружка, в который

входили Тео ван Дусбург, Ауд, Ритвелд и ван Эстерен. Все они были адептами

модернизма, работали в стилях, близких к живописи Мондриана, и, возможно,

оказали на него некоторое влияние в переходе от кубистических композиций к

чистым геометрическим формам красных, желтых и синих прямоугольников. В

1917 Мондриан и Тео ван Дусбург основали авангардистский журнал «Де Стиль»

и группу с таким же названием. Эстетическая теория, лежавшая в основе этого

направления, была названа неопластицизмом. В соответствии с требованиями

неопластицизма Мондриан еще больше сократил свои художественные средства,

используя только белый, серый, черный и наиболее интенсивные тона основных

цветов спектра.

К 1920 стиль Мондриана полностью сформировался. Используя прямые линии

жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая

динамического равновесия. Благодаря отказу от частностей и деталей он

надеялся достичь более ясного выражения универсальных первооснов

творчества, стремясь обрести то, что он называл «чистой пластической

реальностью».

Вопрос 12

Художественный авангард в России. Производственное искусство. Архитектура

20-ых годов

Производственное искусство, художественное движение в культуре Советской

страны в 1920-е гг. В первые годы своего существования (1918—1921) было

тесно связано с т. н. левыми течениями в живописи и скульптуре. Участники

движения поставили задачу слияния искусства, оторванного развитием

капитализма от ремесла, с материальным производством на базе высокоразвитой

промышленной техники. Но они ошибочно, игнорируя реальную практику

социальных преобразований, видели в П. и., сводящемся к прямому созданию

утилитарных вещей, универсальное средство преобразования всей предметной

среды на принципах социальной целесообразности и установления тем самым

социалистических форм человеческого общения. Новую архитектуру, новые типы

жилых и общественных зданий, мебели, оборудования, одежды

«производственники» считали важнейшим средством социалистического

переустройства общества, орудием ликвидации буржуазно-мещанских взглядов,

традиций, привычек, доставшихся в наследство советскому обществу от

старого, политически разбитого строя и закрепленных в материальном

окружении человека — в вещах, жилище, во всей предметной среде. Наиболее

прочно идеи П. и. утвердились в архитектуре, оформительском искусстве и

художественном конструировании, связанных с конструктивизмом. К

проблематике П. и. близки некоторые мероприятия в области искусства в

первые годы Сов. власти, имевшие целью сблизить художественное творчество и

производство; при отделе ИЗО Народного комиссариата просвещения (1918—21)

были созданы Художественно-производственный совет, а также подотделы

художественного производства и художественного труда, организовывавшие

художественные мастерские на фабриках; в 1919 создана художественно-

производственная комиссия ВСНХ; в 1920 создан Вхутемас, пропедевтический

(предварительный) курс которого основывался на теории формообразования,

разработанной «производственниками». Представляя собой романтическую

утопическую иллюзию о возможности немедленного сотворения новой жизни с

помощью П. и., его теория (Б. И. Арватов, О. М. Брик, А. М. Ган, Б. А.

Кушнер, В. Ф. Плетнёв, Н. М. Тарабукин, С. М. Третьяков, Н. Ф. Чужак)

смыкалась с идеями Пролеткульта в своём ошибочном понимании культуры

пролетариата: «производственники» отрицали преемственность культуры,

идеологические функции и специфику станковых форм изобразительного

искусства, его традиционно-образный метод познания действительности, а в

самых крайних формах отрицали искусство вообще (теория «растворения

искусства в жизни»). Эти стороны П. и. противоречили реальной практике сов.

художественной культуры. Противоречили они и общим принципам культурной

политики Сов. власти, направленной на овладение народными массами

культурным наследием прошлого и создание искусства, несущего в себе всё

богатство эмоционального содержания бытия. Теоретическая несостоятельность

социальных идей движения П. и. привела его к кризису в конце 1920-х гг. На

практике художниками-»производственниками» (основная группа которых, порвав

в 1921 с абстрактным формотворчеством, перешла к собственно работе для

производства) были созданы прототипы ряда современных видов мебели (А. М.

Ган, В. Е. Татлин, А. М. Родченко), образцы новой полиграфии (А. М. Ган, Л.

М. Лисицкий, А. М. Родченко), текстиля и одежды (Л. С. Попова, В. Ф.

Степанова, В. Е. Татлин и др.), оформления выставок (Г. Г. Клуцис, Л. М.

Лисицкий, А. М. Родченко, братья Стенберг). Работа «производственников» в

сфере промышленного и оформительского искусства сыграла существенную роль в

формировании сов. и зарубежного художественного конструирования.

Про архитектуру по книге

Вопрос 13

Начало промышленного дизайна. Германский веркбунд. Его аналогия в др.

странах. Пионеры дизайна.

ВЕРКБУНД - (нем. Werkbund от Werk - работа, производство и Bund - союз,

объединение) - художественно-промышленный союз, объединение художников,

архитекторов, ремесленников, предпринимателей и торговцев. Основан в

Германии в 1907 г. с целью поддержки и развития прикладного искусства,

художественных ремесел и нового «промышленного искусства», или дизайна,

призванного повысить качество массовой промышленной продукции. Эти задачи

были особенно актуальны в период Модерна, на рубеже XIX-XX вв.

Германский Веркбунд возник на базе слияния «Мюнхенских соединенных

мастерских», возглавляемых Р. Римершмидом, и «Дрезденских мастерских».

Новый союз возглавил X. Мутезиус, немецкий архитектор и теоретик

архитектуры рационалистического течения. В 1896-1903 гг. Мутезиус работал в

Англии, изучал архитектуру традиционного английского дома, был близок идеям

движения «Искусства и ремесла», основанного У. Моррисом. Под влиянием

нового английского искусства, школы Глазго и возникли идеи создания нового

союза.

Традиционное понятие «Kunstgewerbe» (нем. художественные ремесла),

ассоциирующееся с дорогими и эклектичными вещами предыдущей эпохи

Историзма, было заменено новым - «Werkbund», в котором демонстративно

убраны понятия «искусство», «художественный», «ремесло». В организации

Веркбунда принимали участие А. Ван де Велде, Р. Римершмид, Т. Фишер, А.

Энделль. К 1910 г. в Союзе числилось 360 художников, 267 промышленников,

105 представителей музеев и выставочных залов, а также меценаты,

коммерсанты и торговцы. Устраивались лекции, выставки. Выпускался журнал

«Die Form» (нем. «Форма»), пропагандировавший идеи рационализма,

конструктивизма и функционализма в разных видах искусства, прежде всего в

архитектуре, оформлении интерьера и мебели. Осуществлялись попытки

совместной работы дизайнеров с промышленниками и торговцами, обеспечения

авторских прав на образцы промышленного производства. В Союз принимались

только авторитетные мастера, и покупатель был информирован о том, что, хотя

он приобретает вещь, изготовленную промышленным способом, она несет в себе

качества уникального художественного произведения.

В 1908 г. ежегодный конгресс Германского Веркбунда проведен в Вене, в 1913

г. И. Хоффманн организовал Австрийский Веркбунд с отделением в Швейцарии.

Выставки нового немецкого искусства проводились в 1912 г. в США, Бельгии,

Франции. Оно было признано самым передовым для своего времени. В

деятельности Веркбунда участвовали выдающиеся архитекторы-реформаторы: П.

Беренс, В. Гропиус, Ле Корбюзье, Л. Мис Ван дер РОЭ (сравн. Баухауз). В

1914 г. Германский и Австрийский Веркбунд провели большую совместную

выставку в Кёльне. Но война, последующая инфляция и экономическая депрессия

остановили многие начинания. Только в 1920-х гг. деятельность Веркбунда

возобновилась. В 1924 г. Веркбундом организована выставка промышленных

изделий под названием «Form ohne Ornament» (нем. «Форма без орнамента»),

означавшая полную победу функционализма. С приходом к власти нацистов в

1933 г. Веркбунд был упразднен. Воссоздан в Дюссельдорфе в 1947 г.

Промышленный дизайн

Корни промышленного дизайна уходят к началу XIX века, в эпоху появления

массового машинного производства и разделения труда. До промышленной

революции в труде ремесленника дизайн непосредственно сочетался с

изготовлением изделия. С приходом века индустриализации дизайнер стал

создавать прототипы изделий, которые с помощью машин производили другие

люди. Практика раннего дизайна была весьма примитивной. Функциональностью и

экономичностью производимой продукции занимались инженеры, а дизайнеры

отвечали лишь за ее эстетический вид. Оказалось, что дизайнеры должны

создавать прототипы массового машинного производства, предварительно изучив

технологию современного производства и свойства материалов. Промышленный

дизайн как самостоятельная профессия впервые появился в Соединенных Штатах,

где формирование общества массового потребления началось раньше, чем в

Европе. Такие потребительские товары, как автомобили, стиральные машины,

холодильники, радиоприемники, бытовые электроприборы, в 20-е годы стали

доступными большинству американцев. В начале 30-х годов бизнесмены стали

нанимать художников, графиков и театральных декораторов для придания

товарам внешнего вида, который привлекал бы покупателей. Назначению изделий

и простоте обращения с ними придавали столь же важное значение, как и их

внешнему виду. В скором времени дизайнерские фирмы стали набирать в штат

чертежников, модельщиков, инженеров, архитекторов и специалистов по

изучению рынка. В послевоенные годы в истории дизайна наметились две

тенденции. Приверженцы первого направления считали, что моральный долг

дизайнеров - способствовать эстетическому развитию публики, тогда как

другие, придерживаясь демократических взглядов, стремились дать публике то,

что она, скорее всего, желала получить и что определялось коммерческим

успехом. В 50 - 60-х годах дизайнерские фирмы, стремительно развиваясь,

использовали свой талант не только для оформления товара, но и для его

упаковки, для оформления интерьеров торговых помещений, витрин, выставок,

средств общественного транспорта, для изготовления фирменных знаков,

логотипов, фирменных канцелярских бланков, для разработки общей концепции

имиджа данной корпорации. Один из самых упорных и трудолюбивых мастеров из

поколения основателей дизайнерской профессии Генри Драйфус стал одним из

основателей науки эргономики, начав изучение человека и групп людей в целях

оптимизации процесса труда.

Аналоги Веркбунда – Баухауз, Вхутемас

Вопрос 14

Баухауз и Вхутемас как учебные исследовательские и творческие центры.

История возникновения. Крупные представители этих центров дизайна.

"Баухауз"

(Bauhaus), Высшая школа строительства и художеств, конструирования

(Hochschule fur Bau und Gestaltung), учебное заведение и архитектурно-

художественное объединение в Германии. Основана в 1919 архитектором В.

Гропиусом в Веймаре, в 1925 переведено в Дессау, в 1933 упразднено

фашистами. Руководители "Б.", опираясь на эстетику функционализма, ставили

целью выработать универсальные принципы современного формообразования в

пластических искусствах; они стремились к комплексному художественному

решению современной материально-бытовой среды, развивали у студентов

способность эстетически-творческого осмысления новых материалов и

конструкций, учили осознавать специфическую красоту функционально

обусловленных форм предметов, создаваемых в условиях современного машинного

производства. В "Б." главным звеном учебного процесса была трудовая

практика студентов в производственных, художественных и проектных

мастерских, где, наряду с работами этюдно-учебного характера, создавались

архитектурные проекты (в том числе типовые проекты жилых домов), образцы

массовой промышленной продукции (главным образом мебели, ламп, тканей),

произведения декоративной живописи и пластики. Преподавательскую и

творчески-экспериментальную работу в "Б." вели крупные архитекторы-

функционалисты (В. Гропиус, Х. Мейер, Л. Мис ван дер Роз), пионеры

современного дизайна (И. Иттен, Л. Мохой-Надь), а также некоторые художники-

авангардисты (П. Клее, В. В. Кандинский, Л. Фейнингер, О. Шлеммер).

Теоретическая и практическая деятельность "Б." сыграла важную роль для

утверждения принципов рационализма в мировой архитектуре 20 в. и

становления современного художественного конструирования. В области

изобразительного искусства "Б." был, в сущности, центром мирового

формализма. Его теоретики и главные вдохновители выражали ошибочные взгляды

на природу и задачи искусства, отрицали идейность искусства, отрицали

реализм.

Вхутемас

Высшие государственные художественно-технические мастерские, учебное

заведение в Москве. В. создан в 1920 постановлением Советского

правительства как "... специальное художественное высшее техническо-

промышленное учебное заведение, имеющее целью подготовить художников-

мастеров высшей квалификации для промышленности, а также конструкторов и

руководителей для профессионально-технического образования" (Собрание

узаконений и распоряжений Рабочего и Крестьянского Правительства, 1920, 19

декабря, Ї 98, ст. 522, с. 540). Образован путём слияния московских 1-х и 2-

х Свободных художественных мастерских. Включал факультеты: художественные

(живописный, скульптурный, архитектурный) и производственные

(полиграфический, текстильный, керамический, деревообделочный и

металлообрабатывающий). Практически В. готовил в основном художников-

станковистов и архитекторов. Одновременно перед производственными

факультетами была поставлена задача подготовки художников нового типа,

способных работать не только в традиционных видах искусств пластических, но

и в создании всей предметной среды, окружающей человека (предметы быта,

орудия труда и пр.). Во В. (а также в учебном заведении и архитектурно-

художественном объединении "Баухауз" в Германии) впервые в мире были

созданы основы сложившейся позднее системы подготовки художников-

конструкторов (см. Дизайн). Важной частью нового метода обучения был

разработанный во В. и обязательный для всех студентов, независимо от

будущей специализации, пропедевтический (предварительный) курс, основанный

на сочетании научных и художественных дисциплин. Пропедевтический курс

должен был научить студентов языку пластических форм, законам формо- и

цветообразования (включал рисование как основу пластического искусств,

цветоведение, дисциплины, исследующие взаимоотношения между цветом и

формой, изучение принципов построения пространственной композиции и др.).

Эти законы авторы курса (В. А. Фаворский, П. Я. Павлинов, К. Н. Истомин, И.

М. Чайков, Н. А. Ладовский и др.) считали универсальными для создания как

произведений изобразительного искусства, так и для художественного

конструирования предметов быта и техники. Пропедевтические курсы позже

стали обязательными в мировой практике подготовки художников-конструкторов.

Разносторонняя подготовка на пропедевтическом курсе сочеталась с

последующей специализацией на выбранных студентами факультетах. На

производственных факультетах разрабатывали проекты трансформирующейся

мебели (кресла-кровати, шкафы-столы и т.д.), массовой посуды, светильников

и др. Во В. преподавали как художники-станковисты, продолжавшие традиции

русской художественной школы предреволюционных десятилетий (главным образом

Московского училища живописи, ваяния и зодчества - А. Е. Архипов, П. В.

Кузнецов, И. И. Машков и другие, - а также Д. Н. Кардовский, преподававший

в 1903-18 в Высшем художественном училище петербургской АХ), так и

представители производственного искусства (А. М. Родченко, В. Е. Татлин и

др.). На производственных факультетах практически претворялись

теоретические взгляды "производственников", отождествлявших художественное

творчество с производством социально и функционально целесообразных вещей,

которые, по их мнению, должны были определять характер всей бытовой среды в

социалистическом обществе. Такое отождествление приводило ряд педагогов В.

в их преподавательской практике на разных факультетах (а главным образом -

в публицистических выступлениях) к отрицанию образной природы и

познавательной роли искусства, к отрицанию его традиционных (и прежде всего

станковых) форм. 25 февраля 1921 В. И. Ленин посетил общежитие В.,

беседовал со студентами об учёбе и искусстве и критически отозвался о

футуристических увлечениях некоторых из них. В 1926 В. был преобразован во

Вхутеин.

Вопрос 16

Становление и развитие дизайна как профессии в Баухаузе и Вхутемасе.

Выработка принципов современного дизайна.

По книге

Вопрос 17

Hа первом этапе развития (1917-1922) дизайн формировался на стыке

производства и агитационно-массового искусства. Основным объектом стало

художественное оформление новых форм общественной активности масс:

политических шествий и уличных празднеств. Оригинальная конфигурация и

устройство трибун, агитационных и театральных установок, киосков доказали

обоснованность переноса акцентов с разработки новых стилистических приемов

на художественно-конструкторские проблемы. Hаиболее интенсивно развивается

графический дизайн, что проявляется в принципиально новом подходе к

созданию плаката, рекламы, книжной продукции.

Hеобходимо отметить немаловажную роль театра в становлении конструктивизма.

Всеволод Мейерхольд предоставил сцену для реализации данной концепции на

практике. Hа первый план выходит материальная сторона художественного

творчества, которое трактуется как сознательная и целесообразная

организация элементов произведения, как изобретательство. Конструктивизм

переориентировал представителей беспредметного искусства на социальную

целесообразность творчества. В качестве основателей конструктивизма, чье

творчество имело принципиальное значение для дальнейшего развития дизайна,

можно назвать В. Маяковского, В. Татлина, О. Брика, В. Кушнера, позднее -

Б. Арбатова, А. Веснина, В. и Г. Стенбергов, А. Гана, А. Лавинского, Вс.

Мейерхольда, А. Родченко, В. Степанову, Л. Попову. Их центром стал

созданный в 1919 году Совет мастеров, а позднее - ИHХУК и, главным образом,

Рабочая группа конструктивистов ИHХУКа (А. Родченко, братья Стенберги, К.

Медуницкий, К. Йогансон).

Преобладание в социальном заказе на дизайн элементов агитационно-массового

искусства предопределило активное участие в движении "от изображения к

конструкции" прежде всего художников и их профессиональных организаций.

Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году,

когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так

совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и

плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Прежде

всего необходимо отметить деятельность первых "красных художников"

(выпускников ппервых ГСХМ - Государственных свободных художественных

мастерских), организовавших Общество молодых художников ков (Обмоху, 1919-

1923). Оригинальные конструкции и теоретические манифесты К. Йогансона,

братьев Стенбергов и К. Медуницкого подробно разобраны в книге С. О. Хан-

Магометов "Пионеры советского дизайна" (М., 1995). Конструктивизм перерос

производственное искусство, утвердив собственную эстетику и самостоятельные

цели. Основным "противником", полемика с которым не ослабевала, остается

супрематизм, основателем и идейным вдохновителем которого был Казимир

Малевич.

Второй этап развития дизайна в России (1923-1932) можно считать временем

становления его профессиональной модели. Россия становится одним из

важнейших центров формирования дизайна. Происходит становление школы

профессиональной подготовки дипломированных дизайнеров - производственных

факультетов ВХУТЕМАСа.

Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового

оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных

интерьеров... Производственный заказ пока не играет определяющей роли, и

активной стороной остается сам дизайн, сохранивший энтузиазм

изобретательства. Основная цель - организация предметной среды с учетом

общих процессов в сферах труда, быта и культуры.

В этот период формируются оригинальные творческие концепции дизайна,

определившие его дальнейшее развитие. Более подробно о них можно узнать из

работ самих авторов - А. Родченко, Л. Лисицкого, В. Татлина. Задача

создания новой среды жизнедеятельности придала особый импульс развитию

конструктивизма. Производственные факультеты ВХУТЕМАСа охватывает эйфория

изобретательства. Безусловно, тон задавали их лидеры - А. Родченко и Л.

Лисицкий, которые наиболее ярко проявили себя именно в графическом дизайне.

Фотомонтаж, коллаж, шрифтовые композиции, рекламная и плакатная графика,

книжные конструкции составляют золотой фонд мирового дизайна. Множество их

открытий и проектов в других областях (новые принципы организации

выставочных и бытовых интерьеров, типовой мебели, архитектурных ансамблей и

небоскребов) были реализованы значительно позже.

Комплексный подход к созданию объектов нашел отражение и в программе

В.Татлина, преподававшего культуру материала. Он уделял основное внимание

роли взаимосвязей и взаимоотношений: человек и вещь, функция и материал,

различные материалы в процессе создания "систематической, жизненно

необходимой вещи". Он учил студентов с самых первых шагов разработки

проекта учитывать функциональный (конечная цель создания предмета,

особенности производства) и органический (человек, который будет этой вещью

пользоваться) факторы.

Третий этап (1933-1960) был достаточно печальным для развития дизайна в

России: он перестает быть интегрирующей творческой деятельностью, развитие

которой определялось универсальной концепцией (вне зависимости от специфики

объекта). Принцип стандартизации применялся не только к человеку, но и к

создаваемой искусственной среде. Стихия изобретательства, которая позволила

отечественному дизайну достичь высот мирового признания, явно не

вписывалась в изменившуюся атмосферу. Дизайн как единый процесс

формообразования окружающей среды перестал существовать. Он был расчленен

на узкоприкладные направления: инженерно-технический, предметно-бытовой и

декоративно-оформительский, которые воспринимались как различные виды

деятельности. Кончилась целая эпоха единой эстетической концептуальности,

которая не зависела от специфики объекта.

Однако потенциал, накопленный авангардом, еще какое-то время сказывался в

проектных работах. В первую очередь в продукции графического дизайна:

политических и киноплакатах, книгах, рекламе.

Четвертый этап развития дизайна определяется по-разному: 60-80-е или 60-90-

е годы. Его начало характеризуется безусловным интересом к наследию 20-х

годов. Созданный в 1961 году Всесоюзный научно-исследовательский институт

технической эстетики (ВHИИТЭ) начинает свою деятельность с издания журнала

"Техническая эстетика" и выпуска тематических сборников, которые самым

подробным образом обратились к первой волне русского авангарда, поставившей

советский дизайн на одно из первых мест в европейской эстетике того

периода, Это время возрождения художественного конструирования. Большое

внимание уделялось разработке новой концептуальной базы дизайн-

деятельности, обоснованию ее новых видов, органично отвечающих современным

требованиям.

В 60-е годы были пересмотрены многие стандарты. Пристальное внимание было

обращено на функциональные и эстетические качества предметов народного

потребления. Пожалуй, можно сказать, что именно в то время дизайн получил

самый массовый заказ за весь период своего существования в нашей стране.

В связи с этим расширилось поле деятельности и для рекламы. Развивается

система специализированных изданий: "Книжное обозрение", "Рекламное

приложение" к "Вечерней Москве", "Hовые товары".

Значительно изменился внешний вид периодических изданий. Во многом этот

процесс происходит под влиянием западноевропейской школы графического

дизайна. Белое пространство признается одним из сильнейших средств

выразительности, малогарнитурный набор - признаком стиля. Многие новые

издания создаются по необычной методике - с первоначальной разработкой

модульной сетки. Однако подобное "оживление" продолжалось сравнительно

недолго. 70-е годы практически прервали заказ производства и бытовой сферы

на профессиональный дизайн Это было время критической реакции на авангард

первой (1910-1920 годы) и второй волны (1950-1960 годы). Hа первый план

выдвигается ценность обыденного и анонимного что отражают эклектические

тенденции всевозможных "ретро"-стилей.

ВHИИТЭ сумел сохранить теоретическую школу, продолжая изучать опыт

европейского дизайна и предлагая свои концепции. Это ясно видно по

информационным выпускам и журнальным публикациям. Огромный научный

потенциал был также накоплен и в Ленинградском высшем хупожественно-

поомышленном училище им В. И. Мухиной Их деятельность позволила уже в

начале 80-х годов, когда запрос на дизайн резко вырос, сформулировать и

обосновать типологическую матрицу современного дизайна, а также применить

на практике собственные концепции, в частности концепцию системного дизайна

- возможного провозвестника эпохи единой проектной концептуальности.

В конце 80-х - начале 90-х годов появление предприятий частных форм

собственности, развитие отношений конкуренции, с одной стороны, и

коммерциализация прессы, с другой, возродили российскую рекламу как одно из

важнейших средств массовой коммуникации. Появились чисто рекламные издания

("Центр Plus", "Экстра М" и др.) и многочисленные рекламные агентства.

Соответствующие отделы были созданы практически во всех средствах массовой

информации и крупных фирмах. В связи с этим в значительной степени

повысился интерес к дизайну вообще и к графическому дизайну в частности.

Однако общие тенденции развития данного вида деятельности привели к тому,

что дизайн воспринимался исключительно в узкоприкладном значении данного

термина либо как промышленный, либо как графический дизайн, - все так же

лишенный единой концептуальности, которая была традиционна для российского

дизайна в период его возникновения и взлета в 20-е годы.

К вопросу 18

Доклад как-то хрена о современном дизайне – прочесть в целях общего

развития

Доклад "Национальные школы западного дизайна и принципы формирования

социалистического дизайна"

Хотя я приготовил письменный текст, мне хотелось бы сконцентрироваться на

ответе коллеге А.Павловскому, который ваял на себя труд вчера высказать

личное отношение к теме, – я рискну сделать то же самое.

Дело в том, что никакого единого дизайна вообще нет. Это одни из тех мифов,

которые, как говорилось вчера, умирают стоя.

Удалось выявить по крайней мере три ключевых формы западного дизайна,

существующих в мире. Это, прежде всего, стафф-дизайн или работа художника

внутри капиталистического производстве. Это работа дизайнеров-

консультантов, формально не зависящих от промышленных фирм и выполняющих по

сути дела функцию методистов.

Наконец, есть новые формы работы художников в дизайне, которые получили

название тотального дизайна и которые уже почти не имеют отношения к

собственно художественным квалификациям дизайнера.

Я об атом специально писал[1], поэтому буду говорить о более тонких

градациях.

В мире существует еще и национальные школы дизайна. Всем профессионалам

известен итальянский дизайн, который является очень любопытной формой

выработки новейших художественных, артистических образцов для системы

дизайна в целом. Эта школа захватила инициативу образования стиля в

профессиональном мире. Существует американская школа дизайна, известная

прежде всего блестящим знанием психотехники – психологическим овладением

потребительской душой во всех ее порывах.

Совсем недавно оформилась школа японского дизайна, которая, опираясь на

гигантскую художественную культуру, на современную систему генетического

образования в школе, не обращает внимания (внешне, по крайней мере) на

вопросы художественного творчества в дизайне. Японский дизайн способен

делать что угодно, где угодно и кому угодно. На современнейшей технологии

японские дизайнеры стилизуют свою продукцию сознательно и принципиально под

характер того места земного шара, куда ее адресуют. При этом сама школа

анонимна, имя дизайнера почти никогда не бывает известно. Тогда как имена

виднейших итальянских дизайнеров известны наперечет как имена крупных

художников; имена американских "тотальных" дизайнеров тоже известки всему

миру, это "асы" профессиональной деятельности.

Когда мы только начинали развитие дизайна в нашей стране, – я говорю не о

двадцатых годах, это было достаточно давно, – когда десять лет тому назад

мы начали его снова, мы по сути дела только еще млели от восторга при виде

хорошо скомпонованного ящика. В зге самое время все "места" в профессии

были уже разделены между теми школами, которые я назвал очень приближенно,

– их больше, градация тоньше.

Прошло десять лет. И сейчас ставшее недавно очень модным слово

"эстетизация" не только у меня, но и у остальных коллег вызывает приступ

холодного бешенства.

Я приведу только один маленький, но очень выразительный для меня пример:

когда говорят об эстетизации среды, я всегда вспоминаю, что атомная бомба

обозначена краевым горошком по белому полю, а водородная - голубым горошком

по белому полю, и это довольно красиво.

И вот здесь мне хочется подхватить вчерашнюю цитату коллеги Ш.Бойко, когда

он напомнил название картины Гогена - "Кто мы, откуда мы, куда мы идем".

Важно вспомнить, что эта картина – картина нового рая, которую художник

себе представил, рая, в котором никто никуда не хочет идти, ниоткуда не

примел и вообще ничего не хочет.

Мне кажется, что ответы на три сакраментальных вопроса уже в целом ясны: мы

знаем, куда нужно идти, чтобы школа социалистического дизайна стада фактом.

У каждого есть фраза, запоминающаяся как девиз профессиональной

деятельности. Для меня такой фразой является очень древний текст. Это 30-й

стих Старой Эдды (Гаве-Мааль), которая была уже старой 850 лет назад. В нем

всего 2 строчки.

Первая - "Прошу вас, будьте осторожны", а вторая - "Но не очень".

Вот это - быть осторожным, но в меру – определяет, чем мы имеем право себя

считать в результате десятилетней работы.

Если сформулировать эту задачу предельно жестко и упрощенно и учесть, что

места в профессиональном мире дизайна уже разделены между школами, то есть

только один выход - делать то, что кроме нас, в социалистической культуре

никто делать не может. Я говорю именно об объективной ситуации - не может

делать никто, кроме нас. И здесь мне хотелось бы напомнить, что

демонстрировал вчера Е.А. Розенблюм. Могло показаться просто из-за подбора

диапозитивов, что он говорит только о производстве, об активности человека

внутри производства, потому что показывались машины и промышленный

интерьер. Однако это не так. Проблема гораздо шире, это проблема

активности, соучастия человека во всех процессах, которые охватывают всю

толщу нашей культуры.

Я все-таки начну с той же производственной среды. Дело не только в том,

чтобы помочь рационализаторам. Это важно, это нужно, и об этом говорилось

вчера. Дело в том, что мы сегодня столкнулись не только с проблемой желания

бывшего школьника стать рационализатором, мы в производстве столкнулись с

проблемой скуки. Человек, который имеет 8, а скоро и 10 классов

образования, страдает от скуки, спаивая целый день две проволочки. Это

банально, и это факт. С этим работает сегодня руководство всей

промышленности как с проблемой №1, или начинает работать.

Поэтому там, где невозможно сделать труд областью прямого творчества, а

таких областей, к сожалению, очень много, необходимо (и только художник

может это сделать) создать условия для творческой "игры" в своей профессии.

Но это не только внутри производства. Меня чрезвычайно радует, что на

рижские радиоприемники, которые так "вылизывают" наши коллеги дизайнеры,

молодые люди наклеивают переводные картинки. Это значит, что эта хорошая,

красивая форма их не удовлетворяет, и они хотят, используя ее как своего

рода полуфабрикат, сделать эту вещь для себя. Эти же картинки наклеивают на

купленные в магазине сумки, особенно спортивные.

Шоферы в автобусах и троллейбусах создают внутри кабины, сделанной

дизайнером-профессионалом или любителем, то есть инженером, свой мир:

вешают коврики, наклеивают переводные картинка на пульт управления и

чувствуют себя при этом хорошо.

Я специально исследовал около мотеля кабины грузовиков дальних перевозок.

Это удивительный мир людей, которые берут с собой частичку самого себя и

хотят переделать фабричный кузов по своему образу и подобию.

В частности, можно увидеть как преображаются балконы, которые сделаны все

одинаково и аккуратно, а потом жильцы опутывают эти балконы гирляндами,

орнаментом из алюминиевых полос или чего-то еще, тоже стремясь выразить

себя и устроить свой мир по-своему.

Типовую серийную гипсовую скульптуру, которую выставляют во всех пионерских

лагерях и в жилых кварталах, какую я видел во многих районах страны, жильцы

раскрашивают. Таким образом, речь идет уже не о пустом мечтательстве, об

активности в неопределенном "завтра". Она есть, она может приобретать

уродливые формы, но за ней всегда есть настоящее, глубокое содержание.

Как мы считаем, обязанностью проектировщика стало учитывать это в самом

начале своего творчества. Это чрезвычайно важно для того, чтобы можно было

вторичное творчество разыгрывать внутри той системы, которая

запроектирована, а не ломать ее, играть с этой системой по образу и подобию

человека-использователя.

Вчера, когда К.И.Рождественский говорил о роли художника в архитектуре,

могло показаться, что речь шла об узурпации в архитектуре. Напротив, если

архитектура не может сегодня учитывать то, о чем я говорил, сюда должен

войти художник, и эту случайную и стихийную деятельность по перекрашиванию,

по перекапыванию "приусадебного" газона сделать деятельностью художника, не

нарушая профессиональной целостности, не отвергая возможности каприза в

самовыражении "потребителей".

Я сейчас сделаю последний абрис этой ситуации, опираясь уже на эксперимент,

который провожу сам.

Каждый месяц я печатаю в "Неделе" тиражом 7 миллионов экземпляров крошечный

очерк об устройстве жилого интерьера. Мне это нужно для того, чтобы

получать письма. В этих письмах тысячи людей уже говорят не о том, как

достать мебель, а спрашивают (и этим рассказывают) о том, как устроить свой

мир в маленькой квартире.

По-моему, все это следы очень глубоких процессов, которые только начинают

проявляться.

Если говорить об отношении Запада к дизайну, то разница выявляется довольно

четко. Там вещь ставится на пьедестал как знак самой вещи. А мы вещь ставим

на пьедестал только как знак человеческой деятельности, творчества или

героизма, как знак человека. Поэтому хотя мы, конечно, пройдем в ближайшие

годы новую стадию "вещной культуры", чрезмерного обилия вещей, но наша

культура переболеет этим как корью в детстве, легко. Меркантильный вещизм

не укоренится, потому что он не имеет внутренних корней в нашей культуре,

хотя и вызван объективными основаниями как реакция на прошлую бедность.

Как после ветрянки организм закаляется, так и наша культура, переболев

"вещизмом", больше его не примет. Я в этом уверен, хотя, конечно, этого

мало для доказательства. Посмотрим.

Кому-то это может показаться пустым мечтательством, но мы (я говорю от лица

профессиональной группы) уверены, что широкое использование и развитие

открытой формы может реально стать методической основой социалистической

школы дизайна. Дело в том, что этот принцип не могут использовать наши

коллеги на Западе. Не потому, что они не талантливы. Нет, они блестящие

профессионалы. Не могут потому, что он не приемлем для западной культуры в

ее буржуазном содержании.

Поэтому, в частности, принцип патентоспособен, сам по себе позволяет

создавать образцы, которые будут приняты мировым рывком как образцы нового.

Мы уже имеем этому фактические доказательства.

Поэтому вопрос престижа, вопрос лидерства на международном рынке при

существующей жестокой конкуренции, идеологическая и политическая задача,

которые тем самым перед нами стоят, могут отсчитываться от этого принципа,

выражающего суть нашей культуры.

Этот принцип в общем детски прост в его словесной формуле - это создание

всегда и всюду рамы для человека, игры для человека, а не вещи самой ас

себе. Он включает в себя тему "человек человеку - зрелище, прекрасное

зрелище, а не вещь - зрелище для человека". Это мне напоминает фразу из

того же древнего текста: "Приятнее всего человеку человек". Этому тексту

более тысячи дет, и мы реально можем реализовать его в работе, обязаны это

сделать.

Этот принцип включает возможность принципиальных изменений, способность

проектируемой системы меняться и тем самым быть предметом

рационализаторской, изобретательской и какой угодно, даже игровой

деятельности.

Эта простота, как нам кажется, открывает новые возможности в

профессиональном мире. Кстати, здесь важно заметить: западному дизайну не

нужна теория и поэтому у него нет теории; не нужна, потому что ее заменяет

жестокость рынка, и отсюда убожество текстов, с которыми мы сталкиваемся. А

нам теория необходима, нам необходима методика, потому что у нас этих

жестоких законов формирования профессии, к счастью, нет.

Я говорил о простоте принципа, но эта простота обманчива, как всякая

простота. Чтобы развить его как стиль и как принцип, нужна зрелость

профессии, нужен "второй эшелон", который принимает на себя реализацию

стиля по большому счету.

Вчера здесь (может быть, присутствующие не обратили внимания) Б.А.

Розенблюм показывал машину, сделанную в Новосибирске без всякого участия

нашей Студии и без ведома нашей школы, но сделанную в ее принципах. Ради

этого стоит работать, это говорит о реальной возможности распространения

принципа гораздо шире, чем внутри узкого круга профессионалов, школы. Но

зрелость профессии нам еще, увы, пока не угрожает.

И вот здесь я хочу резко возразить коллеге Павловскому, который вчера

говорил в общем о том же самом, хотя несколько в другой акцентировке. То,

что необходимо избавляться от лишних вещей, – это очевидно; то, что

необходим контроль за ассортиментом вещей, – тоже очевидно. Но это не наше

профессиональное дело. С этой задачей превосходно может справиться Союз

потребителей, возможно, при помощи Бюро экспертов. Кстати, такие союзы

возникают в мире и, в частности, в США уже начали небезуспешно борьбу с

монополиями (например, деятельность группы Ральфа Нейдера).

Нам же нужно добиться профессиональной зрелости художественного

проектирования как деятельности, в которой дизайнера не может заменить

никто.

А зрелость профессии требует, как минимум, выделения тех видов дизайна, о

которых вчера шла речь, – я выделяю их три:

1. Принципиальное проектирование или создание стратегических программ.

2. Создание эталонов, образцовых решений проектных задач, методический

контроль.

3. И, наконец, особая деятельность типа художественного конструирования,

внедряющая образцы в производство.

Заканчивая наш - я говорю наш, потому что я представляю здесь группу

коллег,- разговор о стиле, о направлении, о надежде на то, что удастся

создать стиль и направление, хочу подчеркнуть следующее. Как известно,

борьба ПРОТИВ чего-то имеет право на существование, когда есть сказать что-

то ЗА! По крайней мере это относится к творческой, созидавшей деятельности.

Но всякая борьба ЗА,- и здесь речь идет о борьба за созданий стиля и

направления, – есть и борьба ПРОТИВ. И есть вещи, против которых мы должны

и будем по мере сил и возможностей бороться, чтобы создать профессию,

полностью соответствующую ее задаче. Мы будем бороться против инженерии,

создающей кнопочные монстры для дебилов, где требования к человеку

ограничиваются нажатием красной и белой кнопки. Мы будем бороться против

заказчиков, которые иной раз, насмотревшись красивых вещей, стараются

убедить тех, кто должен создавать наше новое, не имеющее образца, что

именно это и необходимо копировать.

Это означает еще и борьбу против архитекторов, хотя мы сами архитекторы-

ренегаты, если архитектура будет лишать человека возможности включаться в

процесс создания среды обитания. Тут есть и архитекторы-союзники, поэтому

это не гак страшно.

И наконец, это означает безжалостную борьбу против эстетства, красивых форм

ради красивых форм. Это очень трудно, когда человек художник или хочет быть

художником, но красивость –один из главных наших врагов. Тяготение к

красивым формам, которыми полны выставки, от которого мы сами не до конца

свободны – это враг номер один. И, как нам кажется, сейчас за 10 дет нового

этапа работы у вас есть завоеванное моральное право на борьбу против этих

вещей, потому что есть уже нечто, по отношению к которому мы ЗА.

Страницы: 1, 2