Изобразительное искусство Европы

Изобразительное искусство Европы

Таврическая Государственная

Агротехническая Академия

Кафедра културоведения

Реферат на тему: «Изобразительное искуство Европы в 18 – нач. 19 вв.»

Исполнитель: 34-Э Мороз Е. Ю.

Преподаватель: Морарь Н.П.

Мелитополь

1999

XVШ столетие принято называть веком Просвещения. Ранние буржуазные

революции победили только в двух странах - Англии и Нидерландах. В

большинстве европейских государств был сохранен старый порядок. XVШ век с

его просветительскими идеалами, идеями "свободы, равенства, братства"

подготовил господство классических форм развитого буржуазного общества, а

Французская революция 1789-1794 гг. явилась классической буржуазной

революцией, захватившей широкие народные массы.

XVШ столетие подготовило также господство буржуазной культуры. На

смену старой, феодальной идеологии пришло время философов, социологов,

экономистов, литераторов нового века Просвещения.

Литература, музыка и театр достигают в эту эпоху той художественной

зрелости, которая пришла к живописи в XVI-XVП вв., достаточно назвать

романы Прево, Филдинга, Смоллета, Вольтера, Гете, музыку Баха, Моцарта,

Гайдна.

Изобразительному искусству XVШ столетия в лучших произведениях свойственны

анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и

настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность

- характерные черты искусства XVШ в. как в жанре портрета, так и в бытовой

живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом

XVШ столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует

признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в

изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений

общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембранда,

Пуссена.

С началом нового, XVШ столетия совершенно очевидно обозначился процесс

разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 г. "короля-

солнца", последнее десятилетие лишь формально сохранившего могущество, была

просто авершающим событием в том длинном ряду явлений, которые

подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.

Начало регенства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика

XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно

противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений,

роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка

не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть

насладиться всем была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости

мгновения, надвигающихся грозных бедствий.

Многое меняется в искусстве. Король перестает быть единственным

заказчиком произведений искусства, а двор -единственным коллекционером.

Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция

превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в

законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе

всей духовной жизни Европы.

В первой половине XVШ в., когда так активно вытеснялась религиозная

культура светской, ведущим направлением во Франции стало рококо. Многие

исследователи считают рококо лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим

монументальность великого стиля. Тем не менее очевидно, что рококо во

Франции в первой половине "галантного века" складывается в определенную

стилевую систему, от части продолжающую черты, унаследованные от барокко,

но еще более их видоизменяющую. Рококо - порождение исключительно светской

культуры, еще уже - двора, французской аристократии, тем не менее оно

сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее

развитие. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном

искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре

преимущественно в интерьере, где важным теперь было не пышное и величавое,

а приятное и удобное. Городские дворцы знати, богатой буржуазии, - "отели",

сооружаемые в этот период, как правило, строго классицстичны по экстерьеру.

Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью,

лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, брон-

зой, фарфором, зеркалами. Все это вместе составляет праздничное,

действительно феерическое зрелище. Формы дробные, ажурные, орнамент

сложный, построенный на изогнутых линиях, краски живописных панно или

станковых картин прозрачные, светлые. Все искусство рококо построено на

асимметрии, создающей ощущение беспокойства игривое насмешливое, вычурное.

Не случайно термин "рококо" возводят к слову "раковина", "рокайль". Сюжеты

только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы,

Венеры. Новые веяния проникли в Академию. Аллегории, темы исторические,

мифологические, жанровые - все это темы любви. Портрет и пейзаж - не

случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и

насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле

существования. Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому,

что оно дало новые грани, новое развитие выра зительным средствам

искусства.

Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением зна

чительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного

направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой,

неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это

так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке,

музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни

действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной

грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным

наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из

сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых,

коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда

нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства.

В 1717 году художник создал одно из самых больших произ ведений

"Паломничество на остров Цитеру". В этой картине отражена тончайшая

палитра чувств, которая прежде всего создана самим цве-

том. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна

для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает

театрального приема в композиции. Искусство театра не

только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества,

которое пишет художник. Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не

раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл

технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце

жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки,

которая так и называется "Лавка Жерсена". В ней он возможно хотел показать,

как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь

одно искусство.

Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в

его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к

конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура

"рокайльного языка", выразилось в полной мере. Буше был истинным сыном

своего века, все умевшим делать сам от панно для отелей до эскизов на

костюмах. И все это - галантные празднества, пастушеские идилии,

мифологические, жанровые, религиозные темы - разыграно, как современная ему

пастораль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, во всем

царствует бело-розовая героиня - богиня Флора. Типичные сюжеты - "Триумф

Венеры" или "Туалет Венеры", "Купанье Дианы и т.д.

Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом

жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро,

видевшего в нем яркое порождение всего, с чем боролись просветители, но не

отказывающего ему в высоком профессионализме.

Живописное искусство Германии

С начала ХIХ в. классицизирующие тенденции в немецкой живописи были

вытеснены романтическими. В немецком романтизме преобладало реакционное

направление и в условиях реакции многие художники становятся на

примиренческие позиции.Лишь в творчестве некоторых из них нашли

отражение прогрессивные тенденции эпохи.Самые живые явления романтического

искусства проявились в области портрета и пейзажа.

Портреты составляют лучшую часть художественного наследства Филиппа

Отто Рунге ( 1777-1810) , работавшего в Гамбурге. Близкий к кругу

гамбургских романтиков-литераторов, сам видный теоретик живописи,

уделявший большое внимание проблемам цвета и его гармоний, автор

трактата "Цветовой круг", Рунге стремился всю свою недолгую жизнь к

построению сложных , надуманных аллегорий. Он мечтал о фантастико-

музыкальной поэме в цикле композиций "Четыре времени суток", но

действительно живые образы создал,обратившись непосредственно к натуре.

В "Автопортрете" (1805) , поэтическое восприятие

действительности сочетается с зоркостью взгляда аналитика , со

строгим и точным мастерством рисунка.

С удивительной тонкостью и тщательностью исполнен пейзаж, на фоне

которого представлены старики-родители художника , около которых

примостились их внуки, -"Портрет родителей"(1806, Гамбург, Кунстхалле).

Сурово скорбны морщинестые лица встревоженных стариков, резким контрастом

воспринемаются рядом с ним розовощекие дети, глядящие на мир широко

открытыми глазами. Свое уважение перед человеком , озабоченность за его

судьбу, восхищение перед богатством и красотой родной природы передает

Рунге в этом свое произведение.

Природа стала главным объектом изображения Каспара Давида Фридриха

(1774-1840), чья деятельность протекала главным образом в Дрездоне. В

своих пейзажах художник выражает чувство преклонение перед величием

природы, а также переживание, полные мрачного раздумья, пессимизма.

Излюбленные мотивы пейзажи Фридриха- пустынные скалистые громады, которые

он пишет в различное время дня, любуясь их плавными очертаниями , игрой

света, переливами красок на каменных глыбах. В лучах заходящего либо

восходящего солнца они подчас утрачивают свое материальность , превращаясь

в подобие миражей ,-"Горный пейзаж".

В картинах Фридриха находит отражение и борьба немецкого народа против

наполеоновского завоевание -"Могила Арминия"(1813) и растущая реакция,

сковывающая творческие силы нации ,-"Гибель "Надежды" во льдах" (1822,

обе - Гамбург, Кунстхалле).Человек в пейзажах Фридриха-маленькая одинокая

фигура, затеренная в необъятных просторах холодного необжитого

мира, или пассивный наблюдатель, созерцащий туманные дали, уносящийся в

мечту, -"Двое, созерцающие луну"(1812-1820, Дрезден, Картинная галерея).

Более радостным настроением отличаются картины природы родного

Фридриху селения. Поэтично залитые солнцем "Луга Грейфсвальдом"(1820-18309,

Гамбург, Кунстхалле),напоминающие чудесные описания природы у писателей и

поэтов-романтиков.

Творчество и жизнь Рембранта

В истории изобразительного искусства прошлых веков гениальный

голландский художник Рембрандт, пожалуй, более, чем кто-либо другой, сумел

глубоко волнующе, правдиво раскрыть Неисчерпаемое богатство внутреннего

мира человека.

Творчество Рембрандта относится к тому времени, когда Голландия, родина

художника, успешно завершив первую в истории буржуазную революцию,

выдвинулась на одно из ведущих мест в экономическом и культурном

отношениях. В то время как в подавляющем большинстве европейских стран

феодальная аристократия еще сохраняла ведущие позиции во всех областях

общественной жизни, в Голландии она оказалась побежденной и отодвинутой на

задний план в ходе нидерландской революции и последующего буржуазного

развития. Наступает период колониальных захватов, достигают небывалых

размеров торговые операции, кустарное производство средневековых

ремесленников вытесняется быстро развивающимися мануфактурами, в Голландию

перемещается центр европейской торговли. Маленькая страна переживает в XVII

веке кратковременный, но бурный расцвет.

Голландские живописцы впервые увидели человека таким, каков он есть в

жизни, и отразили в искусстве различные стороны его повседневного бытия.

Некоторые из них подошли к решению более сложной задачи — к тому, чтобы

отразить красоту и значительность духовного мира обычного человека.

Опираясь на достижения голландского реалистического искусства XVII века,

наиболее полно, Многогранно и глубоко эту задачу решил величайший художник

Голландии — Рембрандт ван Рейн.

Рембрандт Гарменс ван Рейн родился 15 июля 1606 года в Лейдене — городе,

расположенном близ Гааги, на Рейне.

Отец Рембрандта был владельцем нескольких домов, садовых участков и

мельницы. Первоначально родители будущего художника предполагали дать

своему сыну гуманитарное образование. После семилетнего обучения в

латинской школе, в 1620 году он был записан в Лейденский университет—один

из старейших университетов в Европе, основанный еще в 1575 году. Но

Рембрандт пробыл там недолго. Пробудившаяся склонность к искусству привела

его в мастерскую местного художника Якоба ван Сваненбурга, где он в течение

трех лет учился живописи. Затем следует полугодовое обучение в Амстердаме у

известного живописца Питера Ластмана.

Вернувшись в Лейден около 1625 года, Рембрандт начинает свой

самостоятельный творческий путь. Так называемый лейденский период

творчества мастера продолжается до 1631 года. Уже в это время Рембрандт

становится одним из популярнейших живописцев родного города; его мастерская

привлекает учеников. Голландский поэт Константин Гюйгенс посвящает

хвалебные строки в своей автобиографии лейденским художникам — Рембрандту и

Ливенсу.

К числу лучших произведений лейденского периода принадлежит картина

«Христос и ученики в Эммаусе», написанная Рембрандтом около 1629 года и

находящаяся ныне в парижском частном собрании. Она создана по мотивам

известной евангельской легенды, повествующей об одном из чудес воскресшего

после смерти Христа.

Популярность молодого Рембрандта быстро растет, и уже б начале 30-х годов

сограждане начинают заказывать ему свои портреты.

В числе первых был написали «Портрет ученого» (1631 год, Эрмитаж). Перед

зрителем—голландский интеллигент того поколения, которое еще всеми корнями

связано с народом. Простое, открытое, несколько грубоватое лицо, жесткие

мясистые руки выдают его плебейское происхождение.

Стремясь максимально приблизиться к жизни, Рембрандт показывает человека

не изолированно, а в его бытовой обстановке. Поэтому ученый изображен за

рабочим столом, с пером в руке, в момент работы над рукописью, когда и

застает его как бы входящий в комнату зритель. Портретируемый отрывается от

рукописи, поворачивает лицо к вошедшему, обращается к нему с какими-то

словами.

В конце 1631 года Рембрандт переезжает в Амстердам — главный город

Голландии. Как предполагают, причиной его переезда был крупный заказ

гильдии амстердамских врачей на групповой портрет, получивший название

«Урок анатомии доктора Тульпа».

Творчество Рембрандта 30-х годов протекает под знаком опорного труда и

постепенного становления. Достигнутые успехи вселяют в него уверенность и

служат стимулом для дальнейших напряженных поисков. Он неустанно вбирает

разнообразные впечатления окружающей жизни, глубоко осмысляет их,

перевоплощает в своем искусстве.

В луврском автопортрете 1634 года за нарядной артистической внешностью

молодого Рембрандта ясно улавливается его волевая натура. Чуть сдвинутые

брови, сжатые губы, умный и твердый взгляд — все говорит о привычной

внутренней собранности. Вместе с тем образ не лишен оттенка неустойчивости

и беспокойства. Изображение чуть сместилось в сторону от основной

композиционной оси, подвижна светотень, да и само выражение лица выдает

душевную взволнованность человека. Таков Рембрандт периода «бури и

натиска», как часто называют этап 30-х годов в его творчестве.

Дух оптимизма, рожденный эпохой буржуазного развития Голландии, не был

чужд и Рембрандту. Оптимистическому настроению художника в этот период не

могли не способствовать его личные удачи. 1632—1642 годы—счастливое

десятилетие в его жизни. Женитьба на богатой невесте, многочисленные заказы

превращают его в одного из состоятельных людей Амстердама. Он покупает

прекрасный дом, щедро тратит свои богатства на покупку нидерландских

гравюр, картин художников Возрождения, персидских миниатюр, экзотических

одежд и тканей, которые с далекого Востока привозят в приморский Амстердам.

В 1634 году Рембрандт женится на девушке из знатного семейства — Саскии

ван Эйленбург. Наступает пора восторженной любви, большого счастья. Войдя в

жизнь Рембрандта, обаятельная Саския входит и в его искусство. Влюбленно

следует за ней глаз художника. Одна за другой появляются из-под его руки

много-численные зарисовки.. То он изображает ее принаряжающейся перед

зеркалом, то больной, ожидающей рождения ребенка, то счастливой матерью с

сыном на руках. Несколько портретов своей возлюбленной создает Рембрандт в

офорте и живописи.

Непринужденностью, человеческой теплотой подкупает дрезденский портрет

Саскии 1633 года. Грациозно наклонив головку, она поворачивает к нам свое

лицо. Лукаво щурятся глаза, ласковая мимолетная улыбка появляется на устах.

Вот в эту минуту, капризной, нежной, кокетливой и показал ее Рембранту.

В середине 30-х годов Рембрандт пишет известный автопортрет с Саскией на

коленях.

Вечной теме любви, радостного пробуждения чистого, большого чувства,

преображающего человека, посвящена эрмитажная картина «Даная», созданная

художником в 1636 году. Сюжетом картины послужил миф о дочери царя Акрисия,

ставшей женою Зевса и матерью Персея — одного из любимых героев древних

греков. Оракул предсказал Акрисию гибель от руки внука, и царь решил

навечно заточить в темницу свою дочь Данаю. Но никакие темницы не могут

устоять перед всепобеждающей силой любви: властитель Олимпа, всемогущий

Зевс, в виде золотого дождя проник в подземелье прекрасной Данаи и стал ее

возлюбленным.

Если ранние исторические картины Рембрандта проникнуты духом барокко, то

со средины 30-х годов произведения художника в историческом жанре начинают

приобретать иной характер. Сквозь внешнюю патетику вое более пробиваются

подлинные человеческие страсти, все чаще театральная драма, «ужасное»

событие сменяется подлинной драмой жизни.

Эти новые черты отчетливо выступают в эрмитажной картине «Снятие с

креста», написанной в 1634 году.

Сороковыми годами начинается новый этап рембрандтовского творчества. Он

все более замыкается в кругу библейско-евангельских тем, провозглашая свои

этические идеалы, веруя в то, что благородство и разум людей помогут им

победить трудности жизни. Первоосновой рембрандтовского гуманизма зачастую

служит нравственная чистота людей из народа, красивая простота их

взаимоотношений.

На протяжении 40-х годов Рембрандт несколько раз обращается к теме

святого семейства. Одно из лучших решений этой темы — эрмитажная картина

«Святое семейство», созданная художником в 1645 году.

В 1662 году Рембрандт выполняет последний заказ на большой групповой

портрет. Он изображает старшин амстердамского цеха суконщиков, выступающих

с докладом перед собранием цеха. Портрет вошел в историю искусства под

названием «Синдики».

В последние годы жизни Рембрандта трагически складыается его личная

судьба. Усугубляется конфликт художника с бюргерским обществом. Почти не

имея заказов, в середине 50-х годов он терпит банкротство. В 1658 году были

проданы с аукциона дом Рембрандта и его богатейшая художественная

коллекция; в 1662 году умерла Хендрикье Стоффельс, а шесть лет спустя

неожиданно скончался Титус.

И, однако, на склоне лет художник достигает вершины своих творческих

возможностей. В последнее десятилетие он создает свои лучшие исторические

картины. Исторические образы Рембрандта 60-х годов отличаются особой

драматической силой и философской глубиной. Конфликт между добром и злом в

человеческом обществе, который всегда являлся лейтмотивом исторического

жанра Рембрандта, выступает в картинах этих яет во всем трагизме.

Положительные герои, олицетворяющие возвышенное, благородное человеческое

начало, сталкиваются в этих картинах с носителями враждебного, злого, или с

людьми, совершившими трагическую, непоправимую ошибку.

В 1660 году Рембрандт создает известную картину «Ассур, Аман и Эсфирь»,

хранящуюся ныне в московском Музее изобразительных искусств.

Если в картинах, посвященных истории Амана, результатом конфликта

является непримиримое осуждение, как бы ни было тяжело оно для самих

выносящих приговор, то о гуманной прощении и о глубоком раскаянии человека,

совершившего горькую ошибку, повествует знаменитое произведение Рембрандта

«Возвращение блудного сына». Эта картина хранится в собрании ленинградского

Государственного Эрмитажа и справедливо считается гордостью эрмитажной

коллекции. Произведение написано Рембрандтом в год смерти. Забытый

современниками, совсем одинокий, он создает свое последнее гениальное

горение.

«Возвращение блудного сына» — это как бы итог мудрых раздумий Рембрандта

о мире и людях. Его пессимистическое отношение к действительности в

последние годы жизни, с одной -стороны, и ничем не сломленная вера в

человека, в нравственную высоту его — с другой, с равной силой звучат в

последнем произведении гениального художника.

В октябре 1669 года Рембрандт ван Рейн скончался. Эта смерть осталась

почти незамеченной его современниками. Только скромная запись в церковной

книге амстердамского собора Вестернкерк сообщает нам дату похорон художника

8 октября 1669 года. Признание гениального мастера пришло лишь несколько

десятилетий спустя.

- Список литературы -

1. Виппер Б. Р. «Становление реализма в голандской живописи

XVII века» Москва «Искусство» 1967г.

2. С. А. Андронов «Рембрант. О социальной сущности

художника» Москва идательство «Знание» 1978г.

3. Ротенберг Е. Э. «Рембрант Гарменс ван Рейн»

Москва изд. «Советский художник», 1956

4. В. А. Лебедев «Рембрант»

издательство «Знание» Москва 1956г.

5. Альбом репродукций «Рембрант»

вып. 1-2. Москва изд. «Изобразительное искусство» 1971-72г.